ВВЕДЕНИЕ И ПОНЯТИЕ
Иконология была важным направлением исследований искусства в XX веке. Она изучает использование символов и метафор в искусстве, а также внутренний смысл этих символов в контексте времени и культурного наследия. Итальянское искусство XVII века оказалось особо насыщенным многочисленными символами и метафорами. Художники того времени использовали эти элементы, чтобы выразить свои идеи и сообщения и делали это таким образом, что эти символы стали неотъемлемой частью их работ и при этом они остались в значительной степени скрытыми от обычных наблюдателей. Понимание значимости и значений этих символов стало возможным благодаря иконологии. Эта наука зародилась в XX веке и сегодня является важным инструментом для понимания и интерпретации искусства разных эпох и культур. Известные ученые, занимавшиеся иконологией, включают в себя Эрвина Панофски (Erwin Panofsky), и Карла Гомбрих (Karl Gombrich), которые разработали и применяли методы иконологического анализа и помогли создать теоретическую основу этой науки. Итальянское искусство XVII века знаменовало ряд важных событий и явлений в истории искусства, и изучение его символов и метафор позволяет лучше проникнуться мировоззрением авторов.
В данном тексте мы сосредоточимся на изучении символов и метафор, скрытых в работах ведущих итальянских художников XVII века, используя иконологический метод анализа Панофского. Мы разберемся, каким образом художники данной эпохи использовали разнообразные символы, понимание которых позволяет глубже осмыслить их творческую концепцию. Примеры таких шедевров включают работы Караваджо и Бернини. Применение метода анализа Панофского позволяет раскрыть подтекст работы и выделить скрытые метафоры. Например, картина Карраваджо «Святой Иероним» (1607-1608) не только отображает изображение святого Иеронима, но и содержит множество других символов, включая черепа, камни и арбуз. Если мы рассмотрим эти символы по отдельности, то мы можем раскрыть их смысл и значимость, особенно с учетом времени, в которое создавалась картина. Таким образом, данное исследование будет полезно для всех, кто интересуется искусством и историей, а также для тех, кто хочет изучить иконологический метод анализа и научиться понимать скрытые символы в искусстве.
ИКОНОЛОГИЧЕСКИЙ АНАЛИЗ
фотографии Эрвина Панофского
Эрвин Панофский был немецким искусствоведом и одним из основоположников иконологического анализа. Он сделал вклад в развитие этой методологии путем его популяризации и расширения социально-культурного контекста изучаемых произведений. Суть иконологического анализа Панофского заключается в интерпретации смысла произведения искусства через его символическое содержание. Он предложил три формы анализа, используя исследования форм, иконографии и иконологии. Он анализировал не только внутреннюю структуру произведения, но также отмечал влияние культурного и исторического контекста на его содержание и символику.
Панофский верил в глубокую связь между художественным произведением и культурным контекстом, в котором оно возникло. Он рассматривал произведения искусства как вербальное выражение культуры и выявлял их символические идеи, ассоциируя их с конкретными социальными и культурными проблемами. Он утверждал, что символы, которые можем увидеть на произведении, не могут быть объяснены только в рамках формальной иконографической классификации, но должны быть очерчены с учетом социального и культурного контекста. Таким образом, Эрвин Панофский внес ощутимый вклад в иконологический анализ произведений искусства, развивая способность видеть их за символическим кодом и расширяя понятие интерпретации, включая в нее и социально-исторический аспекты.
НЕПРЕВЗОЙДЁННОЕ МАСТЕРСТВО КАРАВАДЖО
Микеланджело Меризи да Караваджо «Пишущий святой Иероним» 1607–1608гг
«Пишущий святой Иероним» от Караваджо (1607–1608гг.): Картина изображает святого Иеронима, который находится рядом со своей книгой, на которой он пишет. По правую руку от Святого находится череп, смотрящий в его сторону. В центре картины свет, отражающийся, скорее всего, от лампы и падающий на руки святого, придавая большее значение его деятельности. Все остальное на картине находится в темноте.
Микеланджело Меризи да Караваджо «Пишущий святой Иероним» ок. 1606 г.
Картина внешне очень проста, но внутри нее скрывается глубокий символизм. Наряду с физическим разделением света и тени, Караваджо использует этот конфликт для передачи внутренней борьбы Иеронима касательно выбора между двумя версиями религиозной истины. Хотя Иероним впервые перевел Библию на латынь, он всю жизнь оставался верующим и ученным агностиком. Картина поэтому может интерпретироваться как внутренний, моральный выбор.
«Воскрешение Лазаря» Микеланджело да Караваджо ок. 1609 г. Региональный музей Мессины
«Воскрешение Лазаря» — ещё один известный шедевр, созданный Микеланджело Меризи да Караваджо. Изначально, иконография картины отражает рассказ из Библии о воскрешении Лазаря Иисусом Христом после четырех дней смерти (сюжет основывается на 11-14х главах Евангелие от Иоанна). Центральным фокусом картины является Христос, изображенный в яркой одежде, возвещающий слова «Лазарь, выходи вон!». Лазарь, облаченный в традиционную тогу, восстает из гробницы. Вокруг них собрались ученики и свидетели события. Свет и тень играют важную роль в создании символической атмосферы картины. Караваджо искусно использует контрасты света и тени для подчеркивания главных персонажей и события. Луч света, прорезающий пространство и падающий на Христа и Лазаря, символизирует духовное просветление, воскрешение и присутствие Божьей силы. Темные тени, окружающие фигуры, усиливают их удивление и воздействие, создавая напряженность и эмоциональность сцены.
Картина «Воскрешение Лазаря» в своем символическом контексте отражает центральный тематический мотив христианства — воскрешение и надежду на жизнь после смерти. Лазарь становится символом воскрешения и возрождения, а Христос — символом спасения и божественной милости. Картина также подчеркивает веру, силу и духовное возрождение.
ИТАЛЬЯНСКИЕ ХУДОЖНИКИ ОТСЫЛАЮТ К СВЯЩЕННЫМ ПИСАНИЯМ
Артемизия Джентилески «Юдифь, обезглавливающая Олоферна» 1612–1613гг
«Юдифь, обезглавливающая Олоферна» — картина, созданная итальянской художницей Артемизией Джентилески в начале XVII века. Это произведение искусства является классическим примером исторического сюжета, воплощенного в живописи. Иконологический анализ этой картины позволяет раскрыть множество символических и метафорических аспектов, которые помогают воссоздать смысловую глубину произведения. На картинах, изображающих сцены из Библии, Артемизия Джентилески обычно представляет сильных и энергичных женщин, и «Юдифь, обезглавливающая Олоферна» не является исключением. В центре картины находится главный сюжетный момент — Юдифь, иудейская воительница, совершающая акт мести и спасения своего народа. Она держит меч в одной руке и уверенно действует, показывая свою решимость и мощь. Ее лицо выражает сосредоточенность и решимость, а также отражает возможное бремя, связанное с необходимостью совершить такой акт насилия.
Фрагменты картины Артемизи Джентилески «Юдифь, обезглавливающая Олоферна» 1612–1613гг
Обезглавленная фигура Олоферна лежит у основания картины и становится центром внимания. Он представлен без головы, что является ярким символом победы Юдифи и иудейского народа над своим врагом. Эта деталь усиливает впечатление силы и решительности женщины. Также стоит отметить, что кровь, вытекающая из раны Олоферна, является драматическим элементом, который подчеркивает жестокость и насилие этого акта.
Цветовая палитра картины в основном состоит из темных оттенков, что создает атмосферу напряженности и таинственности. Фон и окружающая атмосфера остаются неопределенными, оставляя впечатление, что события разворачиваются в абстрактной пространственной среде. Это позволяет зрителю сосредоточиться на главных персонажах и их действиях. Важным элементом композиции является свет, который акцентирует внимание на Юдифи и Олоферне. Свет, падающий на лицо Юдифи, подчеркивает ее силу и решимость, в то время как на Олоферне свет падает снизу, создавая темные тени на его лице и усиливая зловещее впечатление и ощущение страдания.
«Притча о потерянной драхме» Доменико Фетти Дрезден. Картинная галерея
Доменико Фетти создал картину «Притча о потерянной драхме» в XVII веке. Эта картина опирается на одноименную притчу в Евангелии от Луки (15:8-10), где рассказывается о женщине, которая потеряла одну из десяти драхм и досконально искала ее, пока не нашла ее, и отпраздновала это с соседями. Иконологический анализ этой картины может помочь понять ее более глубокий символизм. На картины видим, как женщина смотрит на землю и ищет драхму, а свеча освещает ее действия. В каждой детали картины можно обнаружить скрытый символизм.
Свеча, которую держит женщина, может быть символом Бога, который освещает и просвещает тех, кто идет ищет и находит путь к вере. Она также может указывать на необходимость искать Бога и следовать его свету в жизни. Девять драхм, которые уже есть у женщины, могут символизировать уже обретенные души или духовное богатство, которые должны быть хранены и защищены. Одна потерянная драхма может указывать на необходимость поиска и терпеливости в христианской жизни. Круг, что образуется перед женщиной, созданный светом от свечи, может символизировать Божье присутствие, которое окружает и защищает верующих людей.
Скульптурные детали также играют важную роль в символическом аспекте произведения. Выражение лица Прозерпины передает страх, отчаяние и сопротивление, а также уязвимость перед могуществом Плутона. Физическое сжатие ее тела и его динамические формы усиливают ощущение движения и эмоционального напряжения. Свет и тень в композиции также играют важную роль. Они подчеркивают контрасты и противопоставление между светом и тьмой, видимым и невидимым, жизнью и смертью. Свет может символизировать духовное прозрение и возможность спасения, тогда как тень — мистерию и неизбежность смерти.
«Аврора» Гвидо Рени 1614 г
Аврора — картина итальянского художника Гвидо Рени, являющаяся одним из его наиболее известных произведений и значимым произведением барокко. На центральном плане картины изображена богиня Аврора, воплощение зари и нового дня. Она предстает перед нами на фоне небесного пространства, летящая на колеснице, запряженной четырьмя белыми конями. Этот образ символизирует начало нового дня, восход солнца и возрождение природы.
Аврора изображена в прекрасной форме, молодой и восхитительной. Ее нежное и светлое тело сияет ярким светом, отражая божественную сущность богини. Она поднимает над головой золотой венец, который является символом власти и величия. Венец также указывает на ее божественное происхождение и превосходство. Вокруг Авроры пляшут маленькие амуры, известные как духи весны и роста. Эти маленькие существа олицетворяют радость и жизненную силу. Они летят и веселятся вокруг Авроры, добавляя атмосферу веселья и праздника на картине. Амуры также символизируют пробуждение природы после ночи и благоприятствуют возрождению нового дня.
Фрагменты картины Гвидо Рени «Аврора» 1614 г
Картина «Аврора» Гвидо Рени пронизана динамикой и движением. Яркий свет, который сияет от Авроры, и ее летящая колесница придают ей атмосферу энергии и пробуждения. Вместе с амурами, они создают ощущение праздника и праздничного настроения. Таким образом, «Аврора» Гвидо Рени является мифологической аллегорией, символизирующей начало нового дня и пробуждение природы. Картина передает величие и власть богини Авроры, а также радость и энергию, связанные с наступлением нового дня.
«Морской берег с разбойниками», Сальватор Роза Холст, масло. 52,5×91,5. Государственный Эрмитаж
«Морской берег с разбойниками» — картина итальянского художника Сальватора Розы, которая представляет собой интересный объект для иконологического анализа. На переднем плане картины виден морской берег с крутыми скалами и волнами, прибивающимися к берегу. Вдали видна открытая морская гладь и небо, что создает ощущение простора и неизведанности. Этот пейзажный фон подчеркивает драматическую атмосферу происходящего и создает контраст между спокойствием природы и опасностью разбойников.
В центре картины изображены разбойники, схватившие путника на морском берегу. Они предстают перед нами как грубые и злобные фигуры, с оружием в руках и вооруженные до зубов. Их гримасы и напряженные позы подчеркивают их жестокость и насилие. Эти разбойники символизируют опасность и несправедливость, которые подстерегают людей в мире. Путник, которого они схватили, является бессильным и беззащитным. Его выражение лица и жесты указывают на его страх и отчаяние. Путник является символом невинности и жертвы, которая сталкивается с беззаконием и насилием в мире. Символика картины «Морской берег с разбойниками» отражает борьбу между добром и злом, цивилизацией и беззаконием. Картина выражает идею несправедливости и неопределенности, с которыми сталкиваются люди в жизни.
СКУЛЬПТУРА И ПЛАФОНЫ
«Похищение Прозерпины» Джованни Лоренцо Бернини 1622 г
«Похищение Прозерпины» — скульптурная композиция Джан Лоренцо Бернини, которая представляет собой мощное и эмоционально заряженное изображение мифологической сцены. Центральным моментом композиции является сам акт похищения Прозерпины. Бернини мастерски передает напряжение и драматизм этой сцены. Плутон, бог ада, представлен с силой и мощью, сжимающий Прозерпину, которая выглядит как пленница, пытающаяся сопротивляться его власти.
Фрагмент скульптуры «Похищение Прозерпины» Джованни Лоренцо Бернини 1622 г
Похищение Прозерпины может быть истолковано в разных контекстах. Символически, оно может представлять собой борьбу между жизнью и смертью, преходящим и вечным, светом и тьмой. Прозерпина может символизировать человеческую душу, похищенную темными и неизвестными силами, а Плутон — власть, которая притягивает нас в подземный мир.
Джованни Лоренцо Бернини статуя Святого Лонгина
Иконологический анализ статуи Святого Лонгина Бернини раскрывает перед нами богатство символических и религиозных значений, присутствующих в этом произведении искусства. Скульптура Святого Лонгина была создана в 1631–1638 годах и представляет собой важное произведение барокко. Святой Лонгин — важная фигура в христианской истории. Он был римским солдатом, пронзившим копьем бок Иисуса Христа на кресте. По легенде, когда Лонгин пронзил бок Христа, кровь и вода текущие из раны омыли его глаза, и он прозрел в истину. Поэтому Святой Лонгин изображается с копьем и с чашей, из которой вытекает кровь и вода, указывая на его роль в происшествии с распятием.
Джованни Лоренцо Бернини статуя Святого Лонгина
Скульптура Святого Лонгина Бернини передает глубокую эмоциональность и драматизм. Фигура Лонгина изображена в динамичной позе, в моменте проникновенного взгляда на рану Христа. Эмоциональное выражение лица Святого Лонгина передает смешение страха, восхищения, сострадания и веры. Такая выразительность характерна для стиля барокко, который стремился к сильным эмоциональным воздействиям на зрителя. Скульптура также обращает внимание на мощь и мужественность Святого Лонгина. Его мускулистое тело и мощная физическая форма подчеркивают его военное прошлое и силу. В то же время, наряд солдата, состоящий из мантии и доспехов, указывает на его принадлежность к военной службе и римской армии.
Плафон зала Юпитера в Палиццо Питти, Пьетро да Кортон 1640е гг
Плафон зала Юпитера в Палиццо Питти, созданный Пьетро да Кортоной, является впечатляющим произведением итальянского барокко, которое олицетворяет мощь и величие древнеримской мифологии. Рассмотрим его иконологический анализ в более подробном виде. Центральным фокусом плафона является изображение бога Юпитера, который стоит на облаке и выглядит величественно и властно. Он предстает перед нами в зрелом возрасте, с белой бородой и мощным телосложением, что подчеркивает его божественное достоинство и силу. Юпитер держит в руках громовержец и молнию, которые являются его атрибутами в качестве бога неба и грозы. Эти символы указывают на его небесную власть и возможность влиять на природные силы
Плафон зала Юпитера в Палиццо Питти, Пьетро да Кортон 1640е гг
Плафон в церкви Сант Иньяцио, Рим Андреа дель Поццо
Плафон в церкви Сант Иньяцио Андреа дель Поццо — это выдающийся пример фрескового искусства, который представляет собой значимый объект для иконологического анализа. Плафон в церкви Сант Иньяцио воссоздает иллюзию архитектурного пространства, которое открывается перед наблюдателем. Главным мотивом этой работы является сцена Глории Святого Игнатия Лойолы, основателя ордена иезуитов.
Плафон в церкви Сант Иньяцио, Рим Андреа дель Поццо
Центральная часть плафона изображает облако, на котором святой Игнатий Лойола стоит с Крестом и Книгой, окруженный хором ангелов и святых. Сам святой изображен в главной позе, подчеркивающей его священность и величие. Крест, который он держит, является символом его веры и религиозной миссии. Хор ангелов и святых, окружающий святого Игнатия, служит не только для создания атмосферы праздника и поклонения, но и для передачи идеи связи между небесным и земным мирами. Ангелы являются посредниками между Богом и человеком, а святые — образцами благочестия и духовной жизни.
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Благодаря методу иконологического анализа, разработанному Эрвином Панофским, нам становится возможным увидеть скрытый смысл и символизм на картинах и скульптурах итальянских художников и скульпторов XVII века. Этот метод позволяет раскрыть замыслы и намерения художника, а также расшифровать символы и атрибуты, используемые в произведениях искусства. Таким образом, иконологический анализ открывает перед нами более глубокое и полное понимание искусства, позволяя нам увидеть не только внешнюю красоту, но и внутреннее содержание произведений.
Мейсон Э. История западного искусства. От наскальных рисунков до поп-арта//Лабиринт 2010 https://www.labirint.ru/books/258613/?ysclid=li2jo863qy642182357 (Дата обращения: 23.05.2023)
Панофский Э. Смысл и толкование изобразительного искусства//Гуманитарное агентство «Академический проект», 1999, с. 24-27
Федотова Е. Д. Караваджо//Белый город 2007, с. 30-31
Евангелие от Луки глава 15, стих 8
Карл Вёрман История Искусств Том 3 Книга 2//Москва-Берлин 2015 (дата обращения: 24.05.2023)
