В 1971 году подросток из Вашингтона-Хайтс написал маркером свое имя на стене. Через пятьдесят лет эта стена стоила миллионы.
Фото ТАКИ 183. Автор неизвестен. Источник: 7th Boro: Hip Hop City, 2010.
Рубрикатор
- Введение в визуальное исследование
- Откуда все началось
- Золотой век граффити и его конец
- Из метро в галерею
- Бэнкси и его парадокс
- Российский контекст
- Закон и деньги
- Заключение
- Список источников
NYC’s new Black Lives Matter Mural (2020).
Введение
Граффити — это, пожалуй, единственный вид искусства, история которого начинается с ориентировки в полицейском участке. В 1970-х за роспись вагонов нью-йоркского метро задерживали, штрафовали, давали сроки. Городские власти Нью-Йорка тратили миллионы на очистку составов и называли происходящее катастрофой. Жители жаловались. Газеты писали о вандализме.
Всего за полвека картина изменилась до неузнаваемости. Те, кого ловили в депо с баллончиком, сегодня представлены в Тейт Модерн и Центре Помпиду. Работы художников, начинавших с тегов на стенах, уходят на аукционах за суммы, которые сложно осознать: картина Жана-Мишеля Баская 1982 года в 2017-м была продана за 110,5 миллионов долларов. В 1984-м та же работа стоила 19 000. Это не опечатка — рост в пять тысяч раз за тридцать три года.
Как именно произошла эта трансформация не совсем очевидно. Конечно, хотелось бы объяснить всё простым: мир «наконец понял», что граффити это искусство. Но такое объяснение не имеет ничего общего с реальностью. На самом же деле здесь скрыта куда более интересная история — о том, как субкультура со своими правилами, иерархией и кодексом чести столкнулась с институциями: галереями, коллекционерами, музеями, аукционными домами и судами. И как каждая из сторон в этом столкновении что-то приобрела и что-то потеряла.
Это исследование пытается проследить эту траекторию: от первых тегов в Филадельфии 1960-х до золотого века нью-йоркского метро, от первых галерейных выставок до взрывного успеха Баская и Харинга, от глобального распространения стрит-арта до парадоксов Бэнкси и российского контекста, который развивался по своей собственной логике. Речь не только о том, как менялась цена. Речь о том, как менялся смысл — и менялся ли он вообще, когда искусство, созданное вопреки системе, оказалось внутри неё.
Граффити Криса Коварда (Chris Coward), @CCOWARD_, 2018 г
Robert Herman, Train Conductor, New York City, 1985. The New Yorkers
Откуда все началось
Филадельфия, не Нью-Йорк
Принято считать, что граффити — это Нью-Йорк. Но начало было в Филадельфии. В середине 1960-х подросток по прозвищу Cornbread стал писать своё имя на стенах по всему городу. Мотивация была далека от художественного манифеста, он хотел произвести впечатление на девушку. Вместе с другим райтером, Cool Earl, он создал модель, которую подхватит весь восточный берег: повторяющийся тег как способ заявить о своём присутствии. К 1970 году практика перекочевала в Нью-Йорк. TAKI 183, подросток из района Вашингтон-Хайтс, стал первым граффити-райтером, попавшим в прессу. Его тег складывался из имени и номера улицы. В 1971 году The New York Times опубликовала о нём статью, и это спровоцировало волну подражателей: если о тебе напишет газета, значит, это работает.
NYT, «Taki 183 Spawns Pen Pals», July 21, 1971
@149st, History Part 1, (https://www.at149st.com/hpart1.html), ок 1970х
Почему метро
Выбор площадки был не случайным. Нью-Йорк конца 1960-х начала 1970-х переживал глубокий кризис: бюджетный дефицит, рост преступности, инфраструктурный упадок. Метро — грязное, опасное, оставалось при этом самым посещаемым общественным пространством в городе. Вагон, расписанный ночью в депо, утром проезжал через весь город. Его видели сотни тысяч людей за день. Художник Rammellzee позднее назвал метро «самой большой галереей, когда-либо придуманной для распространения» искусства. Формулировка точная: в отличие от музея, куда нужно прийти, эта галерея сама приезжала к зрителю. К 1973 году простые подписи маркером уступили место сложным многоцветным композициям. Райтер Super Kool 223 считается автором первого полноценного «piece» (от masterpiece) на вагоне — работы с использованием цвета, теней и объёма.
Граффити на вагоне метро, Нью-Йорк, 1970-80е
Martha Cooper / Henry Chalfant, авторы книги «Subway Art», 2010
Не хаос, а система
Со стороны граффити 1970-х выглядит как хаотичное заполнение поверхностей. На деле это была жёстко организованная субкультура с собственной иерархией. Существовала система репутации: тег —> «throw-up» (быстрая двухцветная надпись) —> полноценный piece —> роспись целого вагона (whole car). Последнее считалось высшим достижением. Действовали неписаные правила. Нельзя было закрашивать чужой тег более высокого уровня — это вызывало конфликт. Работа в метро была физически опасной: депо патрулировались полицией, третий рельс нёс смертельное напряжение. Для райтеров это было одновременно спортом, искусством и формой социального высказывания. В 1973 году группа United Graffiti Artists организовала первую выставку граффити-работ в галерее Razor Gallery в Сохо. Нью-йоркские арт-критики написали положительные рецензии. Первое пересечение двух миров, уличного и галерейного, произошло задолго до Баския.
Фото: Martha Cooper, 2014
Martha Cooper, «Райтеры ночью в депо» (Subway Art, 1984)
Rafael E. Pescura / UGA studio (ок. 1973)
Rafael E. Pescura, United Graffiti Artists (ок. 1973)
Золотой век граффити и его конец
Расцвет (1978–1983)
Рубеж 1970–1980-х — пик граффити на нью-йоркском метро. Художники расписывали не просто вагоны, а целые составы. На поверхностях вагонов появились портреты, пейзажи, абстракции, политические высказывания. Самые знаменитые имена этого поколения — Lee Quiñones, Dondi, Seen, Zephyr, Lady Pink, Futura, Fab Five Freddy — уже сегодня входят в историю современного искусства наравне с галерейными именами. В то же время формировалась хип-хоп-культура, и граффити стало одним из её четырёх элементов, наряду с брейкдансом, диджеингом и рэпом. Эта связка навсегда связало граффити и массовую культуру: оно перестало быть замкнутой субкультурой и стало частью чего-то большего. В 1983 году вышел фильм Wild Style Чарли Ахерна — первый художественный фильм о граффити-культуре, с участием реальных райтеров. Для многих людей за пределами Нью-Йорка это был первый контакт с этим явлением.
Lee Quinones, «Racing Car», 1976
Henry Chalfant / «Dondi a Esses, 1980е
Lee Quiñones в фильме «Wild Style» (1982) на IMDb
«Библия граффити»
В 1984 году фотографы Марта Купер (Martha Cooper) и Генри Чэлфант (Henry Chalfant) выпустили книгу Subway Art — первую масштабную фотодокументацию нью-йоркского граффити. Каждый из них десять лет независимо снимал расписанные вагоны. Когда они решили объединить материал, ни одно американское издательство не взялось за публикацию: граффити воспринималось исключительно как вандализм. По итогу издателя нашли на Франкфуртской книжной ярмарке — лондонский Thames & Hudson. Книга разошлась тиражом более 500 000 экземпляров и получила прозвище «библия граффити». В Великобритании она стала самой похищаемой книгой в магазинах: начинающие райтеры не могли позволить себе её купить. Значение Subway Art выходит за рамки документации. Книга установила стандарт стиля: описала техники, жаргон, иерархию. Для подростков в Лондоне, Берлине, Сан-Паулу она стала одновременно учебником и манифестом — доказательством того, что это не хулиганство, а культура.
Обложки книги Subway Art Марты Купер и Генри Чалфанта, 2015 г (слева), 1984 г (справа)
Разворот книги Subway Art, фотографии расписанных вагонов.
Фотограф Марта Купер за работой в Бронксе, 1970е
Clean Train Movement
В том же 1984 году, одновременно с выходом Subway Art, городские власти начали систематическую борьбу с граффити. Программа Clean Train Movement предполагала ежедневную очистку вагонов: расписанный состав не выпускался на линию, пока не будет отмыт. Стратегия оказалась эффективной. К 1989 году метро было полностью очищено. Число арестов за граффити упало с 2400 в 1984 году до 300 к 1997-му. Золотой век закончился. Но художники не исчезли. Они переместились в галереи Ист-Виллиджа, на фасады зданий, в другие города и страны.
MSN / «Inside the fight against graffiti on London trains», 2010
П. Новиков, «Искусство с улицы», 1990
Из метро в галерею
Кит Харинг: метро как лаборатория
Кит Харинг (1958–1990) не был граффити-райтером в классическом смысле. Он окончил художественную школу School of Visual Arts и вполне осознанно выбрал метро как площадку. Это было его стратегией. В начале 1980-х Харинг обнаружил, что рекламные панели в метро, когда на них нет объявлений, закрываются чёрной бумагой. Он начал рисовать на них белым мелом — быстро, без предварительных набросков, пока не заметит полицейский. За пять лет он создал более 5000 рисунков. Его фигуры: «Radiant Baby» (сияющий младенец), лающая собака, танцующие человечки — стали одним из самых узнаваемых визуальных языков XX века. Харинг называл метро своей «лабораторией». Это было продуманное решение: искусство в общественном пространстве работало на максимальный охват аудитории, а параллельная галерейная карьера финансировала эту деятельность. Два мира не конфликтовали — они усиливали друг друга. Но был и побочный эффект. Когда его рисунки стали знаменитыми, люди начали вырезать панели из стен метро и продавать их. Харинг перестал рисовать в метро — не потому что захотел, а потому что не мог: его работы крали быстрее, чем он успевал их создавать.
Кит Харинг рисует мелом на чёрной рекламной панели в метро, 1980-е. Фото: Ivan Dalla Tana.
Кит Харинг рисует мелом на чёрной рекламной панели в метро, 1980-е. Фото: Ivan Dalla Tana.
«Radiant Baby», Кит Харинг
Пассажиры нью-йоркского метро наблюдают за работой Харинга, 1980-е.
Фасад Pop Shop Кита Харинга на Лафайетт-стрит в Сохо
Pop Shop: демократизация или продажность?
В 1986 году Харинг открыл Pop Shop в нью-йоркском Сохо — магазин, где футболки, значки, скейтборды и постеры с его рисунками продавались по доступным ценам. Для Харинга это был логичный шаг от бесплатных рисунков в метро: если искусство должно быть для всех, значит, его нужно сделать доступным. Арт-мир отреагировал скептически. Харинга обвинили в «грубом коммерциализме». Но он не отступил: Pop Shop — художественное высказывание, не сувенирная лавка. Прибыль шла на детские программы и борьбу с ВИЧ/СПИДом. Оглядываясь назад, видно, что Pop Shop задал модель, которой сегодня следуют десятки художников: художник как бренд, мерч как медиум, коммерция как продолжение практики. KAWS, Shepard Fairey, Покрас Лампас — все они так или иначе наследуют эту логику.
Интерьер Pop Shop Кита Харинга
Интерьер Pop Shop Кита Харинга
popshop — Фотография из коллекции Накамуры и Кита Харинга, Хокуто
Баския: от SAMO до 110 миллионов
Если Харинг — стратег, то Жан-Мишель Баския (1960–1988) — стихия. В конце 1970-х вместе с другом Элом Диасом он придумал граффити-персону SAMO© (от «same old shit»). Это были не теги в классическом смысле — скорее уличная философия: загадочные, поэтические фразы на стенах Сохо и Ист-Виллиджа. SAMO© работал не как подпись, а как голос. В 1980 году Баския участвовал в коллективной выставке Times Square Show, которая проходила в заброшенном массажном салоне на 41-й улице. Рядом с ним выставлялись Кит Харинг, Дженни Хольцер, Кенни Шарф. Для Баския это стало переломным моментом: переход с улицы на холст. Дальше — стремительный взлёт. В 82-м у него была первая персоналка в галерее «Annina Nosei» и её раскупили прямо в день открытия. В том же году он, как самый молодой участник, уже выставлялся на Documenta 7 в Касселе. Ларри Гагосян, когда только увидел его работы, сразу приобрёл три картины за девять тысяч долларов. А к 85-му Баския уже красовался на обложке The New York Times Magazine с заголовком про новые деньги и маркетинг американского художника.
И главная цифра во всей этой истории: в 2017-м его «Untitled» 1982 года ушла на Sotheby’s за 110,5 миллионов долларов. Для сравнения — в 84-м эта же работа стоила девятнадцать тысяч.
Граффити SAMO© Жана-Мишеля Баския и Эль Диаса на стене, конец 1970-х
Жан-Мишель Баския, Энди Уорхол и Кит Харинг, 1980-е.
Без названия. Жан-Мишель Баския, 1982
Фото, которое поместил на обложку New York Times в 1985 году и оригинальная обложка
Выставка Times Square Show в заброшенном массажном салоне, Нью-Йорк, 1980
Цена перехода
Баския умер от передозировки героином в 27 лет. Харинг — от осложнений, связанных со СПИДом, в 31. Ни один не дожил до момента, когда его работы стали стоить десятки миллионов. Их судьбы ставят вопрос, который остаётся центральным для всей темы: что происходит с художником, когда уличное искусство попадает внутрь арт-рынка? Баския сам сформулировал это противоречие: «Я хотел быть звездой, а не галерейным талисманом». Контекст 1980-х усиливает этот вопрос. За 1983–1985 годы в Нью-Йорке открылось более 100 новых галерей. Продажи галерейного искусства только в 1984 году превысили миллиард долларов. Многие критики указывали, что интерес к бывшим уличным художникам был частью спекулятивного пузыря, а не подлинного признания
Портрет Жана-Мишеля Баския, фотография 1980 года
Ла Хара. Жан-Мишель Баския, 1981
Бэнкси и его парадокс
Глобализация уличного искусства
После зачистки нью-йоркского метро граффити не умерло — оно распространилось. Книга Subway Art разнесла нью-йоркский стиль по Европе, Латинской Америке и Азии. Одновременно сформировался стрит-арт как более широкое направление, не ограниченное тегами и леттерингом: трафареты, постеры, мозаики, инсталляции. Ключевые фигуры нового поколения — Shepard Fairey (серия OBEY), Invader (пиксельные мозаики в десятках городов мира), JR (крупноформатные фотопортреты на фасадах). Но главным феноменом и главным парадоксом стал Бэнкси.
Работа уличного художника Бэнкси Well Hung Lover («Хорошо висящий любовник»)
Invader. Мозаика на фасаде здания
Shepard Fairey. Постер OBEY, 1990-е
Художник против рынка
Карьера Бэнкси строится на противоречии: его работы высмеивают арт-рынок и при этом являются одним из самых ликвидных активов на нём. В 2006 году он создал принт Morons: на нём изображён аукцион, а на продаваемом холсте написано «Не могу поверить, что вы, идиоты, реально покупаете эту ерунду». Примерно тогда же он встроил в раму своей картины Girl with Balloon скрытый механизм для самоуничтожения — на случай, если работа когда-нибудь попадёт на аукцион.
Бэнкси. Morons (Sepia), 2006
Banksy, «Girl with Baloon», London, 2004
Шредер на Sotheby’s
5 октября 2018 года, вечерний аукцион современного искусства в Sotheby’s, Лондон. Последний лот — Girl with Balloon, оценённый в 200–300 тысяч фунтов. Торги разогнались до 1 042 000. Удар молотка. Аплодисменты. Через секунду раздался звуковой сигнал. Холст начал сползать через скрытый в нижней части рамы шредер, разрезаясь на полоски. Зал замер. Алекс Бранчик, глава отдела современного искусства Sotheby’s, произнёс фразу, ставшую мгновенно знаменитой: «Похоже, нас только что забэнксили». Шредер остановился на полпути. Бэнкси позднее заявил, что это не было запланировано: «На репетициях всё работало каждый раз». Работа получила новое название «Love Is in the Bin» и была признана «первым произведением искусства, созданным в прямом эфире на аукционе». В 2021 году Love Is in the Bin продали повторно. За 18 582 000 фунтов. Рост в 18 раз за три года.
Бэнкси, самоуничтожение «Girl With Balloon» / The Daily Mirror, 2018
Бэнкси. Love Is in the Bin, 2018
Бэнкси хотел уничтожить произведение — бросить вызов системе, превращающей искусство в финансовый инструмент. Результат: стоимость работы выросла в 18 раз. Акт разрушения стал актом создания. Протест против рынка превратился в самый эффективный маркетинговый ход в истории аукционов. Это не случайность, а закономерность. Арт-рынок устроен так, что способен абсорбировать любой жест протеста, превращая его в товар. Даже буквальное уничтожение товара.
Российский контекст
Российский стрит-арт развивался по иной траектории. В 1990-е граффити в России было во многом подражанием нью-йоркской школе — теги и леттеринг, перенесённые в принципиально другой городской контекст. Но к 2000–2010-м сформировались художники, нашедшие собственный визуальный язык и собственные темы. Здесь не было своего Баския или Харинга — не было такого же взрывного перехода из подполья в мейнстрим. Но были фигуры, которые по-своему обозначили те же проблемы: соотношение улицы и институции, анонимности и славы, протеста и коммерции.
Паша 183
Паша 183 (Павел Пухов, 1983–2013) — пожалуй самый известный российский уличный художник. В 2012-м The Guardian назвала его «русским Бэнкси». Самому Паше это дико не нравилось: он четырнадцать лет выстраивал собственный стиль и совершенно не считал себя чьей-то копией.
По сути, его штуки не были ни тегами, ни привычными муралами. Скорее уличные интервенции и спонтанные инсталляции: очки, слепленные из снега так, что дужкой становился фонарный столб; девчонка, которая развешивает воздушные шарики на колючей проволоке; штурмовики из «Звёздных войн» прямо на дверях метро. Он работал на промзонах, заброшках, мостах, школьных дворах — в основном в Москве, но выбирался и в Питер, Екатеринбург, Париж.
В отличие от нью-йоркских райтеров, выросших из хип-хопа, Паша своими ориентирами называл Летова и Кинчева. Отсюда и совсем другая интонация — куда более тихая, меланхоличная, без привычного уличного пафоса. 1 апреля 2013-го Паша 183 погиб. Ему было 29. Обстоятельства смерти так и не раскрыли. Бэнкси откликнулся посвящением: работа с аэрозольным баллончиком, над которым горит огонёк, как свеча, и подписью «P183. R.I.P.».
А уже в 2014-м Московский музей современного искусства сделал его первую персональную выставку, посмертную, к сожалению. И это был вообще первый случай в российской практике, когда уличное искусство одного художника целиком перебралось в музейное пространство.
Павел Пухов. «Очки» — очки из снега, где дужкой служит фонарный столб.
Паша 183. Девочка, развешивающая шарики на колючей проволоке
Бэнкси. Работа памяти Паши 183. Подпись: P183. R.I.P.
Посмертная выставка Паши 183 в ММСИ, 2014
Покрас Лампас (Арсений Пыженков, 1991) — совсем другая модель. Паша 183 тихий и камерный, при жизни на искусстве не заработал, а Покрас — это масштаб, медийность и личный бренд. Начинал он с граффити в Королёве, потом увлёкся каллиграфией и придумал каллиграфутуризм — нечитаемые шрифты, где смешались арабская вязь, готика, японская типографика и улица.
В 2015-м расписал крышу «Красного Октября» — мировой рекорд, 1625 квадратов и 730 литров краски. Потом тоннель у Курского с цитатами Малевича и Кандинского, крыша Fendi в Риме, коллаборации с Nike и Lamborghini. Работы висят в Русском музее и Новой Третьяковке. Критики говорят, что гламурно и однообразно, но сам Покрас высказывался о совей задаче так: «Не попасть в коллекцию, а быть художником, который делает актуальные высказывания».
Интересно тут то, что он открыто превращает известность в деньги. Западные стрит-артисты, включая Бэнкси, от коммерции по большей части дистанцируются. А здесь всё честно, и это ровно тот же спор, что и вокруг Pop Shop Харинга в 86-м.
Покрас Лампас, каллиграфия на «Красном Октябре», 2015
Покрас Лампас / Тоннель у «Атриума», Москва
Покрас Лампас, «Супрематический крест», Екатеринбург, 2019
Закон и деньги
5Pointz: суд на стороне художников
Одна из ключевых историй в легитимации граффити — дело 5Pointz. 5Pointz — комплекс складских зданий в Лонг-Айленд-Сити, Квинс. С середины 1990-х владелец зданий Джеральд Уолкофф разрешал художникам расписывать стены под кураторством Джонатана Коэна (Meres One). За двадцать лет 5Pointz стал мировой меккой аэрозольного искусства: тысячи посетителей ежедневно, художники со всего мира, съёмки фильмов и клипов. В ноябре 2013 года Уолкофф решил перестроить территорию под элитные кондоминиумы. Ночью, без предупреждения, все стены были закрашены белой краской. 21 художник подал в суд по Visual Artists Rights Act (VARA) — федеральному закону 1990 года, защищающему «моральные права» авторов визуальных произведений. В 2018 году судья Фредерик Блок присудил художникам 6,75 миллионов долларов, максимальную компенсацию: по 150 000 за каждую из 45 уничтоженных работ. Апелляционный суд подтвердил решение в 2020 году. Верховный суд США отказался пересматривать дело в 2022-м. Это прецедент: впервые граффити получило юридическую защиту как «искусство признанного статуса». Суд специально подчеркнул, что временный характер работы не лишает её такого статуса.
5Pointz, Квинс, Нью-Йорк. Фасады, покрытые граффити, до уничтожения. Фото 2013 года
5Pointz после закрашивания всех работ белой краской, 2013
Заключение
Граффити прошло путь от уголовного преступления до одного из самых востребованных сегментов арт-рынка. На этом пути оно приобрело юридическое признание, институциональную легитимность, финансовую ценность и глобальное влияние на визуальную культуру. Но на том же пути оно утратило анонимность, эфемерность, свободу от рыночной логики и, в значительной мере, прямой контакт с «обычной» аудиторией. Люди, стоящие на платформе метро, и коллекционеры, поднимающие таблички на аукционе, — это разные зрители. Парадокс Бэнкси — попытка уничтожить картину, которая увеличила её стоимость в 18 раз выглядит как метафора всего процесса. Но этот парадокс не означает поражения. Само напряжение между улицей и галереей, между протестом и товаром, между Cornbread и Sotheby’s — это и есть то, что делает стрит-арт живым. Вопрос не в том, «продалось» ли граффити. Вопрос в том, сохраняет ли искусство свою энергию, когда система, которой оно сопротивлялось, берёт его в оборот. Однозначного ответа нет и, возможно, именно в этом его сила.
Бэнкси, «I want to be what you saw in me», 2025
Cooper M., Chalfant H. Subway Art. Thames & Hudson, 1984.
Chalfant H. Spraycan Art. Thames & Hudson, 1987.
Keith Haring Foundation, «Art in Transit»: https://www.haring.com/! /selected_writing/haring-art-in-transit
Smarthistory, «Keith Haring, Subway Drawings»: https://smarthistory.org/keith-haring-subway-drawings/
Britannica, «Jean-Michel Basquiat»: https://www.britannica.com/biography/Jean-Michel-Basquiat
TheArtStory, Basquiat: https://www.theartstory.org/artist/basquiat-jean-michel/
Sotheby’s, «The City as Canvas»: https://www.sothebys.com/en/articles/the-city-as-canvas-the-underground-birth-of-graffiti-in-new-york
Sotheby’s, «Sotheby’s Gets Banksy-ed»: https://www.sothebys.com/en/articles/sothebys-gets-banksyed-at-contemporary-art-auction-in-london
STRAAT Museum: https://www.straatmuseum.com/en/about-straat/history-of-graffiti-and-street-art-the-1960s-and-the-1970s
Artnet, 5Pointz ruling: https://news.artnet.com/art-world/5pointz-ruling-upheld-1782396
Artsy, 5Pointz: https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-5-pointz-artists-won-675-million-lawsuit-developer-destroyed-work
MyArtBroker, Banksy: https://www.myartbroker.com/artist-banksy/articles/banksy-shred-five-years-in-the-market
MyArtBroker, art market: https://www.myartbroker.com/investing/articles/street-art-changed-art-market
at149st.com: https://www.at149st.com/hpart1.html
Wikipedia: Girl with Balloon, Love Is in the Bin, Subway Art, Keith Haring
Lenta.ru: Бэнкси сделал работу в память о Паше 183
РИА Новости: Умер уличный художник Паша 183, известный как «русский Бэнкси»
Forbes.ru: Как Покрас Лампас зарабатывает миллионы на каллиграфии
Российская газета: Каллиграфутурист Покрас Лампас
Фонтанка.ру: Русский музей взялся за тридцатилетних
Фильм Wild Style (реж. Charlie Ahearn, 1983)
Фильм Style Wars (реж. Tony Silver, 1983)
Фильм Exit Through the Gift Shop (реж. Banksy, 2010)
Фильм Banksy Does New York (HBO, 2014)
Фото ТАКИ 183. Автор неизвестен. Источник: 7th Boro: Hip Hop City, 2010.
NYC’s new Black Lives Matter Mural (2020).
Граффити Криса Коварда (Chris Coward), @CCOWARD_
Robert Herman, Train Conductor, New York City, 1985. The New Yorkers
Расписанный вагон нью-йоркского метро, 1970-е. Фото: Martha Cooper. Источник: Cooper M., Chalfant H. Subway Art. Thames & Hudson, 1984.
Тег TAKI 183 на стене или в вагоне метро. Источник: https://www.at149st.com/hpart1.html
Статья о TAKI 183 в The New York Times, 1971. Источник: https://www.at149st.com/hpart1.html
Расписанный вагон метро целиком (whole car), 1970-е. Фото: Martha Cooper, Henry Chalfant. Источник: Cooper M., Chalfant H. Subway Art. Thames & Hudson, 1984.
Райтеры за работой ночью в депо, 1970-е. Фото: Martha Cooper. Источник: Cooper M., Chalfant H. Subway Art. Thames & Hudson, 1984.
Работа Lee Quiñones на вагоне метро, 1976.
Dondi, фотография Henry Chalfant из книги Subway Art. Источник: Cooper M., Chalfant H. Subway Art. Thames & Hudson, 1984.
Lady Pink за работой, 1970-е.
Кадр из фильма Wild Style (реж. Charlie Ahearn, 1983).
Обложка книги Subway Art, оригинальное издание 1984 года. Источник: https://www.thamesandhudson.com/products/subway-art
Разворот книги Subway Art, фотографии расписанных вагонов. Источник: https://www.thamesandhudson.com/products/subway-art
Фотограф Martha Cooper за работой в Бронксе, 1970-е.
MSN / «Inside the fight against graffiti on London trains», 14.07.2025
П. Новиков, «Искусство с улицы» (2021) (https://1001.ru/articles/post/iskusstvo-s-ulicy-chast-1-54998)
Keith Haring рисует мелом на чёрной рекламной панели в метро, 1980-е. Фото: Ivan Dalla Tana. Источник: Keith Haring Foundation.
Radiant Baby — знаменитый мотив Кита Харинга. Источник: Keith Haring Foundation.
Пассажиры нью-йоркского метро наблюдают за работой Харинга, 1980-е.
Фасад Pop Shop Кита Харинга на Лафайетт-стрит в Сохо. Источник: Keith Haring Foundation.
HigherFrequency (2017). Анонс мероприятия C’5 в честь 10-летия музея Кита Харинга. URL: https://higher-frequency.com/news/nakamura-keith-haring-museum-10th-anniversary-red-bull-music-academy-workshop-session
Фотография Кита Харинга в его магазине Pop Shop // lab.asyanemchenok.ru, журнал. URL: https://lab.asyanemchenok.ru/journal/kit-haring
Товары Pop Shop: Фотография из коллекции Накамуры и Кита Харинга, Хокуто
Граффити SAMO© Жана-Мишеля Баския и Эль Диаса на стене, конец 1970-х.
Жан-Мишель Баския, Энди Уорхол и Кит Харинг, 1980-е.
Жан-Мишель Баския. Untitled, 1982. Продана за $110,5 млн в 2017.
Обложка The New York Times Magazine с портретом Баския, 1985.
Фото выставки Times Square Show в заброшенном массажном салоне, Нью-Йорк, 1980. //Interview Magazine, статья «Times Square: The Underbelly of New York Culture», 30 августа 2012 г. URL: https://www.interviewmagazine.com/art/the-times-square-show-revisited
Портрет Жана-Мишеля Баския, фотография 1980 года.
Ла Хара. Жан-Мишель Баския, 1981
Работа уличного художника Бэнкси Well Hung Lover («Хорошо висящий любовник»), Фото: JoaLacerda / Shutterstock / FOTODOM
Invader, мозаика на фасаде здания (ahonline.ru, 2025)
Shepard Fairey. Постер OBEY, 1990-е.
Banksy, «Morons (Sepia)», 2006 / Sotheby’s
Banksy. «Girl with Balloon (Diptych)», London, 2004. Фото: Sotheby’s, аукцион «The Now Evening Auction», 2022
Бэнкси, самоуничтожение «Girl With Balloon» / The Daily Mirror, 2018
Бэнкси. Love Is in the Bin / Sotheby’s
Павел Пухов (Паша 183). «Очки» — очки из снега, где дужкой служит фонарный столб.
Паша 183. Девочка, развешивающая шарики на колючей проволоке.
Бэнкси. Работа памяти Паши 183 — баллончик, над которым горит огонь, как свеча. Подпись: P183. R.I.P.
Татьяна Уханова / m24.ru, выставка Паши 183, ММОМА, 2014
Покрас Лампас, каллиграфия на «Красном Октябре», 2015 / livemaster.ru
Покрас Лампас / Тоннель у «Атриума», Москва / graffitinazakaz.ru.
А. Габсатаров / nashural.ru. Покрас Лампас, «Супрематический крест», Екатеринбург, 2019.
5Pointz, фасады с граффити (до 2013 г.) / Wikipedia
5Pointz после закрашивания, 2013 / CNN
Бэнкси, «I want to be what you saw in me», 2025