Образ манекена: дегуманизация в искусстве XX века на BRND

Концепция:

Визуальное исследование «Образ манекена: дегуманизация в искусстве XX века» посвящено анализу того, как художники XX века используют искусственную антропоморфную фигуру для изображения отчуждения, утраты индивидуальности и кризиса человеческой идентичности. В отличие от классического искусства, где человек воспринимался как гармоничная и эмоционально выразительная фигура, в искусстве XX века тело постепенно утрачивает целостность и превращается в нестабильный и обезличенный объект. Манекен становится художественной моделью дегуманизации и отражает изменение представления о человеке в культуре модернизма и постмодернизма.

Цель исследования:

Проанализировать, каким образом образ манекена используется художниками XX века для изображения дегуманизации, эмоционального отчуждения и утраты человеческой индивидуальности.

Введение:

Образ манекена занимает важное место в искусстве XX века. Художники всё чаще обращаются к искусственной антропоморфной фигуре как к способу изображения кризиса человеческой идентичности и изменения представления о человеке в модернистской культуре. Манекен существует между человеком и объектом: он сохраняет форму человеческого тела, однако лишён эмоциональной выразительности, мимики и ощущения внутренней жизни. Благодаря этому искусственная фигура становится удобным художественным образом для исследования отчуждения, механизации и обезличивания человека. В рамках исследования рассматриваются произведения Джорджо де Кирико, Ханс Беллмер, Поль Дельво, Фрэнсис Бэкон, Энди Уорхол и Чак Клоуз. Основное внимание уделяется визуальному анализу композиции, пластики фигуры, пространства, цвета и деформации человеческого тела. Исследование показывает, что манекен в искусстве XX века постепенно превращается из нейтрального объекта в художественную модель человека модернистской эпохи — отчуждённого, нестабильного и утратившего индивидуальность.

Рубрикация:

Концепция
Цель исследования
Введение
Рубрикация
Манекен как метафизическая фигура
Фрагментация тела в сюрреализме
Манекен как образ отчуждения в сюрреалистической живописи
Деформация человеческой фигуры в живописи второй половины XX века
Манекен и утрата индивидуальности в поп-арте
Манекен и искусственная телесность в гиперреализме
Заключение

1. Манекен как метафизическая фигура

Джорджо де Кирико

Одним из первых художников XX века, превративших манекен в самостоятельный художественный образ, стал Джорджо де Кирико. В его метафизической живописи антропоморфные фигуры утрачивают признаки живого человека и превращаются в обезличенные конструкции, существующие в тревожном и иррациональном пространстве

Исходный размер 1943x3000

Giorgio de Chirico. The Disquieting Muses. 1916

Особенно показательной является работа The Disquieting Muses (1916). На переднем плане художник располагает несколько неподвижных фигур, напоминающих манекены или театральные куклы. Их тела сохраняют человеческие пропорции, однако лица полностью лишены индивидуальных черт. Гладкие овальные головы не имеют глаз, рта или мимики, из-за чего фигуры воспринимаются как обезличенные объекты, а не как живые персонажи. Отсутствие лица становится одним из ключевых элементов дегуманизации. Фигура перестаёт восприниматься как носитель личности или внутреннего состояния. Вместо эмоциональной выразительности художник создаёт ощущение пустоты и психологической отчуждённости.

Исходный размер 1280x1660

Giorgio de Chirico. The Seer. 1915.

Исходный размер 1200x1651

Giorgio de Chirico. The Seer. 1915.

Важную роль играет материализация тела. Манекены Джорджо де Кирико напоминают деревянные или гипсовые конструкции. Художник подчёркивает жёсткость формы с помощью чётких контуров и упрощённой пластики. Суставы и изгибы фигур выглядят механическими, что усиливает ощущение искусственности. Композиция произведений также участвует в создании чувства тревоги. Пространство городской площади кажется одновременно реалистичным и иррациональным. Архитектурные объекты изображены с соблюдением линейной перспективы, однако пустота пространства и отсутствие повседневной жизни делают сцену неестественной и почти театральной. Особое значение приобретают длинные резкие тени. Они создают ощущение остановленного времени и усиливают психологическое напряжение композиции. Фигуры манекенов выглядят изолированными от окружающего мира и не взаимодействуют друг с другом.

Исходный размер 534x712

Giorgio de Chirico. The Philosopher and the Poet. 1916.

Исходный размер 1200x902

Giorgio de Chirico. The Philosopher and the Poet. 1916.

Неподвижность фигур становится ещё одним важным художественным приёмом. В отличие от классического искусства, где человеческое тело традиционно связано с движением, жестом и эмоциональной выразительностью, у де Кирико тело утрачивает способность передавать внутреннее состояние человека. Колористическое решение также подчёркивает ощущение дегуманизации. Художник использует приглушённые охристые, серо-зелёные и коричневые оттенки. Цвет не передаёт живую телесность, а, напротив, усиливает холодность пространства и искусственность фигур. Таким образом, манекен в метафизической живописи Джорджо де Кирико становится не просто визуальным мотивом, а художественной моделью отчуждённого человека модернистской эпохи. Через отсутствие лица, механистичность формы и изолированность фигур художник создаёт образ личности, утратившей эмоциональную и психологическую целостность.

2. Фрагментация тела в сюрреализме

Ханс Беллмер

В сюрреалистическом искусстве образ манекена приобретает особенно тревожный и телесный характер. Если в метафизической живописи Джорджо де Кирико искусственная фигура сохраняла внешнюю неподвижность и цельность формы, то в произведениях Ханса Беллмера человеческое тело начинает подвергаться деформации и фрагментации. Манекен превращается не просто в обезличенный объект, а в нестабильную конструкцию, лишённую анатомической целостности. Центральное место в творчестве Беллмера занимает серия La Poupée, над которой художник работал в 1930-е годы. Искусственные куклы Беллмера представляют собой собранные из отдельных элементов фигуры, нарушающие привычную логику человеческого тела. Художник создаёт антропоморфные объекты, одновременно напоминающие человека и механическую конструкцию.

Исходный размер 1987x1980

Hans Bellmer. La Poupée. 1935

В работе La Poupée (1935) Беллмер разрушает представление о теле как о гармоничной системе. Конечности дублируются, суставы смещаются, а отдельные части тела соединяются неестественным образом. В результате человеческая фигура теряет устойчивость и начинает восприниматься как искусственно собранный объект. Особое значение приобретает фрагментация тела. Отдельные части фигуры существуют автономно и перестают подчиняться анатомической логике. Беллмер демонстрирует тело как нестабильную структуру, которую можно разбирать, перестраивать и деформировать. Подобный художественный приём создаёт ощущение тревоги и визуального дискомфорта. Важную роль играет материальность объектов. Поверхность кукол напоминает человеческую кожу, однако сама конструкция фигур остаётся механической. Художник подчёркивает искусственность тела через шарнирные соединения, жёсткие изгибы и подчеркнутую конструктивность формы. Из-за этого фигуры начинают восприниматься одновременно как живые и как неодушевлённые объекты. Особое внимание Беллмер уделяет суставам и механике движения. Шарообразные соединения частей тела напоминают конструкцию манекена или механической куклы. Благодаря этому тело перестаёт восприниматься как органическая форма и превращается в объект, существующий по законам механической сборки. Композиция работ Беллмера также усиливает ощущение нестабильности. Пространство вокруг фигур часто остаётся пустым и нейтральным, благодаря чему всё внимание зрителя концентрируется на деформированной структуре тела. Отсутствие подробной среды создаёт ощущение изоляции и визуальной замкнутости. Важную роль играет пластика поз. Фигуры изображаются в напряжённых и анатомически невозможных положениях. Тела выглядят скрученными, неустойчивыми и почти лишёнными естественной пластики. Подобная деформация разрушает представление о человеческом теле как о гармоничной и пропорциональной форме.

Исходный размер 1000x672

Hans Bellmer. La Poupée. 1936

В работе La Poupée (1936) тема дегуманизации становится ещё более выраженной. Человеческое тело практически утрачивает анатомическую читаемость и превращается в совокупность деформированных фрагментов. Отдельные части фигуры теряют свою первоначальную функцию и начинают восприниматься как самостоятельные пластические элементы композиции. Особое значение приобретает повторяемость частей тела. Ханс Беллмер многократно использует одинаковые формы, благодаря чему фигура начинает напоминать серийный объект или искусственно воспроизводимую конструкцию. Подобная механическая повторяемость усиливает ощущение обезличивания. Колористическое решение работ Беллмера построено на сочетании приглушённых телесных, коричневых и сероватых оттенков. Цвет подчёркивает материальность объектов, однако одновременно усиливает ощущение холодности и искусственности. Отсутствие ярких цветовых акцентов делает фигуры визуально «неживыми».В отличие от классической художественной традиции, где человеческое тело воспринималось как носитель гармонии и внутренней целостности, Беллмер показывает тело как уязвимую и нестабильную конструкцию. Через деформацию, механизацию и фрагментацию художник демонстрирует кризис представления о человеке в искусстве первой половины XX века. Таким образом, в произведениях Ханса Беллмера манекен становится художественной моделью разрушенной человеческой идентичности. Искусственная фигура утрачивает целостность и превращается в тревожный объект, существующий между живым телом и механической конструкцией.

3. Манекен как образ отчуждения в сюрреалистической живописи

Поль Дельво

В живописи Поля Дельво образ манекена приобретает особую психологическую выразительность и становится способом изображения эмоциональной изоляции человека. В отличие от деформированных и фрагментированных фигур Беллмера, персонажи Дельво сохраняют внешнюю целостность и узнаваемую человеческую форму, однако выглядят внутренне отчуждёнными и лишёнными эмоциональной связи с окружающим миром.

Художник создаёт пространства, напоминающие театральные сцены или пустынные городские декорации. Внутри этих пространств человеческие фигуры существуют как неподвижные объекты, почти не взаимодействующие друг с другом. Благодаря этому персонажи начинают восприниматься как манекены, помещённые внутрь искусственно сконструированного мира.

Исходный размер 1474x1240

Paul Delvaux. The Village of Mermaids. 1942.

В работе The Village of Mermaids (1942) фигуры располагаются внутри пустого архитектурного пространства, напоминающего сцену или сон. Персонажи изображены неподвижными и эмоционально замкнутыми. Несмотря на физическую близость, между ними отсутствует визуальный контакт и ощущение коммуникации. Особое значение приобретает пластика тела. Фигуры Поля Дельво выглядят застывшими, а их движения — замедленными и механическими. Художник избегает активной жестикуляции и эмоциональной динамики. Благодаря этому персонажи начинают напоминать витринные манекены или театральные куклы. Важную роль играет ритмическое расположение фигур внутри композиции. Повторяющиеся позы, сходные положения рук и одинаковая неподвижность тел создают ощущение механической повторяемости. Персонажи воспринимаются не как индивидуальности, а как элементы единой визуальной системы. Подобный ритм усиливает ощущение обезличивания и делает пространство картины эмоционально холодным. Особое значение приобретает взгляд персонажей. Фигуры часто смотрят в пустоту или избегают зрительного контакта друг с другом. Лицо утрачивает функцию эмоционального выражения и становится почти нейтральной поверхностью. Подобный художественный приём усиливает ощущение внутренней изоляции и психологической отчуждённости. Композиция пространства также участвует в создании ощущения дегуманизации. Архитектурные элементы изображены с высокой точностью и подчёркнутой перспективой, однако само пространство кажется искусственным и пустым. Пространство в работах Дельво напоминает театральную сцену. Фигуры располагаются фронтально и выглядят как заранее расставленные объекты внутри декорации. Благодаря этому композиция теряет ощущение естественной жизненной среды и начинает восприниматься как искусственно сконструированное пространство. Особую роль играет свет. Дельво использует холодное и неестественное освещение, напоминающее театральный или лунный свет. Свет в его произведениях не моделирует живую телесность, как в классической живописи, а, напротив, делает фигуры более плоскими и статичными. Освещение подчёркивает искусственность пространства и усиливает ощущение эмоциональной дистанции между персонажами.

Исходный размер 1536x1332

Paul Delvaux. Sleeping Venus. 1944.

В работе Sleeping Venus (1944) тема отчуждения становится ещё более заметной. Несмотря на присутствие нескольких персонажей внутри композиции, фигуры существуют изолированно и не образуют эмоционального взаимодействия. Пространство картины выглядит почти беззвучным и неподвижным. Колористическое решение усиливает ощущение эмоциональной дистанции. Художник использует приглушённые серо-голубые, холодные телесные и коричневые оттенки. Цветовая гамма лишена ярких контрастов и создаёт ощущение внутренней пустоты пространства. Отсутствие насыщенного цвета делает фигуры визуально отстранёнными от окружающего мира. Важную роль играет сочетание реалистической живописной манеры и иррациональной композиции. Поль Дельво подробно прописывает архитектуру, ткани и человеческое тело, однако сама логика пространства остаётся тревожной и неестественной. Благодаря этому зритель воспринимает происходящее как состояние сна или психологического отчуждения. Несмотря на сохранение человеческой анатомии, персонажи Дельво постепенно утрачивают признаки живого присутствия. Их неподвижность, отсутствие эмоциональной реакции и механическая пластика сближают фигуры с образом витринного манекена. Человек превращается не в активного участника пространства, а в статичный объект внутри искусственной среды. отличие от классической европейской живописи, где человеческая фигура традиционно выступала центром эмоционального и композиционного пространства, у Дельво человек утрачивает внутреннюю активность. Персонажи существуют как неподвижные объекты внутри пустого мира, постепенно приближаясь к образу манекена. Таким образом, в живописи Поля Дельво манекен становится не только образом искусственного тела, но и метафорой эмоционального отчуждения человека XX века. Через неподвижность фигур, отсутствие взаимодействия, холодное освещение и пустое пространство художник создаёт образ личности, утратившей связь с окружающим миром и собственным внутренним состоянием.

4. Деформация человеческой фигуры в живописи второй половины XX века

Фрэнсис Бэкон

Во второй половине XX века тема дегуманизации получает развитие в произведениях Фрэнсиса Бэкона. В отличие от Джорджо де Кирико и Ханса Беллмера, Бэкон практически не использует образ манекена напрямую, однако его человеческие фигуры приобретают черты искусственных и обезличенных объектов. Через деформацию тела художник создаёт образ человека, утратившего внутреннюю устойчивость и целостность.

Исходный размер 904x1198

Francis Bacon. Study after Velázquez’s Portrait of Pope Innocent X. 1953.

Одной из наиболее показательных работ является Study after Velázquez’s Portrait of Pope Innocent X (1953). Фрэнсис Бэкон переосмысляет классический парадный портрет, превращая фигуру папы римского в искажённый и почти нечеловеческий образ. Лицо персонажа теряет анатомическую чёткость: рот деформируется, контуры размываются, а тело выглядит нестабильным и словно распадающимся внутри пространства картины.

Особую роль играет деформация лица. В классической европейской живописи лицо традиционно выступало главным носителем индивидуальности и психологической выразительности. Бэкон разрушает эту функцию: мимика превращается в искажённую массу, а человеческие черты становятся трудно различимыми. Из-за этого фигура начинает восприниматься как обезличенный объект, а не как конкретный персонаж.

Пространство картины также участвует в создании ощущения дегуманизации. Художник часто помещает фигуры внутрь геометрических конструкций, напоминающих клетки, витрины или прозрачные каркасы. Подобные формы визуально изолируют персонажа и создают ощущение замкнутости. Человек оказывается буквально отделённым от окружающего пространства.

Важную роль играет цветовое решение. Фрэнсис Бэкон использует глубокие тёмные оттенки, резкие контрасты и напряжённые цветовые сочетания. Фон часто выглядит плоским и лишённым пространственной глубины, благодаря чему фигура оказывается словно зажатой внутри ограниченного пространства. Подобное решение усиливает ощущение психологического давления.

Исходный размер 812x956

Francis Bacon. Study for a Portrait. 1952.

В работе Study for a Portrait (1952) Фрэнсис Бэкон продолжает исследование нестабильности человеческой фигуры. Персонаж изображён в почти пустом пространстве, а его тело кажется размытым и лишённым устойчивой структуры. Контуры фигуры нарушаются резкими мазками, из-за чего тело перестаёт восприниматься как цельная форма. Особое значение приобретает живописная техника художника. Бэкон использует размазанные мазки, деформацию контуров и резкие переходы цвета. Благодаря этому фигуры выглядят словно находящимися в процессе разрушения. Художник создаёт ощущение хрупкости человеческой телесности и её нестабильности. В отличие от классического искусства, где человеческое тело ассоциировалось с гармонией и пропорциональностью, Бэкон показывает фигуру как уязвимую и деформированную форму. Человек изображается не как цельная личность, а как нестабильный объект, существующий в состоянии внутреннего напряжения. Особую роль в произведениях Бэкон играет ощущение изоляции. Персонажи почти всегда изображаются в одиночестве, внутри пустого пространства. Отсутствие взаимодействия с окружающим миром усиливает тему отчуждения и психологической замкнутости. Таким образом, в живописи Фрэнсиса Бэкона образ манекена проявляется через разрушение человеческой формы и утрату индивидуальности. Через деформацию тела, нестабильность пространства и искажение лица художник создаёт образ человека второй половины XX века — отчуждённого, хрупкого и лишённого внутренней целостности.

5. Манекен и утрата индивидуальности в поп-арте

Энди Уорхол

Во второй половине XX века тема дегуманизации получает развитие в поп-арте. В произведениях Энди Уорхола человеческий образ начинает восприниматься как тиражируемый визуальный объект, существующий по тем же принципам, что и массовая продукция. Хотя Уорхол не использует манекен напрямую, его персонажи постепенно приобретают черты искусственных и обезличенных образов. В отличие от тревожной деформации Фрэнсиса Бэкона, дегуманизация у Энди Уорхола проявляется через повторяемость, механическое воспроизведение изображения и утрату индивидуальности внутри массовой культуры.

Исходный размер 2048x1448

Andy Warhol. Marilyn Diptych. 1962. Acrylic on canvas.

В работе Marilyn Diptych (1962) художник многократно повторяет одно и то же изображение Мэрилин Монро. Повторение становится ключевым художественным приёмом. Лицо перестаёт восприниматься как уникальный человеческий образ и превращается в серийный визуальный объект. Особую роль играет механическая повторяемость композиции. Одинаковые изображения располагаются в строгом ритме, напоминая промышленную печать или витринную экспозицию. Благодаря этому человеческое лицо теряет индивидуальность и начинает восприниматься как элемент массового производства. Важную роль играет цветовое решение. Уорхол использует искусственные, яркие и неестественные оттенки: кислотный розовый, насыщенный жёлтый, холодный голубой. Цвет перестаёт передавать живую телесность и становится декоративной поверхностью. Подобное решение усиливает ощущение искусственности образа.Особое значение приобретает техника шелкографии. Механическое воспроизведение изображения подчёркивает отсутствие уникальности. В отличие от традиционной живописи, где художественный жест связан с индивидуальностью автора и изображаемого человека, Энди Уорхол демонстрирует образ как продукт массового тиражирования.

Исходный размер 694x1102

Andy Warhol. Double Elvis. 1963. Silkscreen ink on canvas.

В работе Double Elvis (1963) тема утраты индивидуальности становится ещё более заметной. Повторение фигуры Элвиса Пресли создаёт ощущение механического дублирования человеческого образа. Персонаж начинает восприниматься не как живой человек, а как медийный символ, существующий внутри системы массовой культуры. Пространство произведений Энди Уорхола предельно упрощено и лишено глубины. Фигуры располагаются на плоском фоне, благодаря чему внимание зрителя концентрируется на самой поверхности изображения. Подобная плоскостность сближает человеческий образ с рекламным плакатом или витринным объектом. Несмотря на сохранение узнаваемой внешности персонажей, их образы становятся эмоционально нейтральными. Многократное повторение разрушает ощущение индивидуального присутствия и превращает человека в визуальный шаблон. Таким образом, в произведениях Энди Уорхола манекен проявляется уже не через деформацию тела, а через механическое тиражирование человеческого образа. Художник показывает человека как часть массовой культуры, внутри которой личность постепенно превращается в искусственный и воспроизводимый объект.

6. Манекен и искусственная телесность в гиперреализме

Чак Клоуз

Во второй половине XX века тема дегуманизации получает развитие и в гиперреализме. В произведениях Чака Клоуза человеческое лицо сохраняет внешнюю фотографическую точность, однако постепенно утрачивает ощущение живого присутствия. Художник превращает человека в почти механически воспроизведённый объект, существующий между живым телом и искусственным изображением. В отличие от деформированных фигур Фрэнсиса Бэкона, Клоуз не разрушает человеческую форму напрямую. Напротив, художник предельно точно воспроизводит внешность модели. Однако именно эта чрезмерная точность создаёт ощущение искусственности и эмоциональной отстранённости.

Исходный размер 1561x1920

В работе Big Self-Portrait (1967–1968) художник изображает лицо в чрезвычайно крупном масштабе. Клоуз подробно воспроизводит мельчайшие детали кожи, волос и черт лица, создавая эффект почти фотографической точности. Однако из-за фронтальности композиции и отсутствия эмоциональной динамики портрет начинает восприниматься как искусственная поверхность. Особое значение приобретает неподвижность фигуры. Лицо лишено активной мимики и эмоционального жеста. Взгляд модели выглядит статичным, а сама композиция напоминает фотографию для документа или витринное изображение. Благодаря этому человек начинает восприниматься как объект наблюдения, а не как носитель индивидуальности. Важную роль играет масштаб произведения. Клоуз значительно увеличивает человеческое лицо, из-за чего зритель начинает воспринимать отдельные детали кожи как почти абстрактные элементы. Подобное приближение разрушает привычное восприятие человеческой внешности и делает лицо визуально механизированным.Особое значение приобретает техника художника. Клоуз выстраивает изображение по сетке, почти механически воспроизводя фотографию на холсте. Подобный метод работы подчёркивает дистанцию между живым человеком и его изображением. Лицо превращается в сконструированную визуальную систему.

Исходный размер 638x800

Chuck Close. Phil. 1969. Acrylic on canvas.

В работе Phil (1969) ощущение искусственности усиливается ещё сильнее. Художник сохраняет фотографическую точность, однако эмоциональное присутствие человека практически исчезает. Портрет выглядит одновременно реалистичным и обезличенным. Композиция строится фронтально и симметрично, благодаря чему лицо напоминает механически воспроизведённый шаблон. Отсутствие активного жеста и нейтральность выражения создают ощущение эмоциональной пустоты. Колористическое решение также усиливает эффект дегуманизации. Клоуз использует приглушённые серо-коричневые оттенки, лишённые живой эмоциональной выразительности. Цвет не моделирует внутреннее состояние персонажа, а подчёркивает материальность поверхности. Несмотря на максимальную точность изображения, человек в произведениях Клоуза постепенно утрачивает индивидуальное присутствие. Человеческое лицо превращается в визуальный объект, существующий по законам механического воспроизведения. Таким образом, в гиперреализме Чака Клоуза образ манекена проявляется через предельную визуальную точность и эмоциональную нейтральность изображения. Художник показывает человека как искусственную и обезличенную поверхность, находящуюся между живым телом и механическим образом.

Заключение

Образ манекена становится одним из ключевых способов изображения дегуманизации в искусстве XX века. Художники используют искусственную антропоморфную фигуру для исследования кризиса человеческой идентичности, эмоционального отчуждения и разрушения представления о человеке как о целостной личности. В произведениях Джорджо де Кирико манекен связан с ощущением пустоты и неподвижности пространства. Через отсутствие лица, механистичность формы и изолированность фигур художник создаёт образ человека, утратившего эмоциональную и психологическую целостность. В работах Ханса Беллмера дегуманизация проявляется через деформацию и фрагментацию тела. Человеческая фигура перестаёт восприниматься как гармоничная система и превращается в нестабильную конструкцию, существующую между живым организмом и механическим объектом. В живописи Поля Дельво образ манекена становится метафорой эмоциональной изоляции человека. Неподвижность фигур, холодное освещение и пустое пространство создают ощущение внутреннего отчуждения и отсутствия связи между персонажами.В произведениях Фрэнсиса Бэкона тема дегуманизации развивается через разрушение человеческой формы. Художник деформирует лицо и тело, превращая человека в нестабильный и хрупкий объект, лишённый внутренней устойчивости. В поп-арте Энди Уорхола дегуманизация проявляется через механическое тиражирование человеческого образа. Повторяемость изображений разрушает ощущение индивидуальности и превращает человека в элемент массовой культуры и визуального потребления. В гиперреализме Чака Клоуза человеческое лицо сохраняет фотографическую точность, однако постепенно утрачивает ощущение живого присутствия. Предельная детализация и эмоциональная нейтральность делают фигуру похожей на искусственный объект или поверхность.Таким образом, в искусстве XX века манекен перестаёт быть только предметом витрины или учебной моделью. Он превращается в универсальный художественный образ, через который художники исследуют отчуждение, утрату индивидуальности и изменение представления о человеке в культуре модернизма и постмодернизма. Несмотря на различие художественных методов, всех рассмотренных авторов объединяет стремление показать человека как нестабильную, обезличенную и всё более искусственную форму существования.

Библиография

Арган Дж. К. История итальянского искусства XX века. — Москва: Радуга, 2000.

Гомбрих Э. История искусства. — Москва: АСТ, 2019.

Foster H. Compulsive Beauty. — Cambridge: MIT Press, 1993.

Foster H. The Return of the Real. — Cambridge: MIT Press, 1996.

Krauss R. The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths. — Cambridge: MIT Press, 1985.

Dempsey A. Styles, Schools and Movements. — London: Thames & Hudson, 2010.

The Museum of Modern Art (MoMA) — материалы о произведениях Chuck Close, Andy Warhol и Giorgio de Chirico.

Tate Modern — материалы о произведениях Francis Bacon.

The Metropolitan Museum of Art — материалы по сюрреализму и искусству XX века.

10.

CyberLeninka — научные статьи по теме дегуманизации и образа тела в искусстве XX века.