Новаторское искусство женщин XVII века

В этом визуальном исследовании я буду фокусироваться на стиле и отличительных чертах в творческом подходе известных женщин Италии 15 века. Выбор пал именно на эту страну, так как я заметила отличительно много знаменитых итальянских художниц этого времени: женщины Ренессанса, во время которого в Риме, Флоренции, Венеции и других городах расцветало художественное искусство, имели возможность приблизиться к живописи и даже обучаться искусству в семейных домашних мастерских, так как рождались в семьях художников, где творческие порывы поощрялись.

«Три сестры» — одна из самых известных картин художницы, что неудивительно, ведь Софонисба Ангишола пишет здесь три женских фигуры — своих сестер, играющих в шахматы — традиционно мужскую игру. При этом, портреты не традиционно статичные, а живые: здесь читается триумф старшец сестры, вероятно одержавшей победу, реагирующая на проигрыш «оппонентка», охваченная весельем младшая сестра и служанка, наблюдающие за игрой — художница смогла передать настоящий момент из своей жизни! Кроме того, благодаря ритмичной композиции вся картина выглядит как шахматное поле: руки перекликаются с шахматной доской, лица героинь с деревьями на фоне — все это создает ощущение гармонии и спокойствия, что усиляет чувство победы одной из героинь.

Детские портреты Софонисбы, на мой взгляд, — самые яркие. В «Трое с собакой», например читается искренее детское увлечение собакой, ощущение юута и домашней гармонии, подкрепляемых теплой палитрой. В «Портрет Массимильяно II Стампа» мы замечаем не только статус будущего наследника знатной семьи, но и самого обычного ребенка, который хочет преподнести себя, как взрослого и серьезного человека, который соответствует своему статусу. Этот образ немного разрушается и собакой, превносящей мягкость в картину. Художнице удается передать каждую «грань» детской «натуры», будь то шок и плач ребенка, «укушенного омаром», или волнение и сдержанность Джулиано Чезарини, переживающего переход во взрослую жизнь аристократа.

Психологизм картин Софонисбы раскрывается не только в живых выражениях лиц, но и в жестах, даже настолько простых, как легкое обьятие в «Портрете супружеской пары» или отец, мягко держащий ручку дочери в «Портрете мужчины с дочерью». Художница также использует мягкие и теплые успокаивающие цвета.

«Портрет семьи художницы» — еще одна, значимая картина Софоснибы, которой она как бы отдает честь тем, кто помог ей осуществить карьеру художницы и добиться общественного признания — своей семье, а особенно отцу, поддерживающему дочь в ее начинаниях. Фигуры здесь не изолированы друг от друга, как в традиционных парадных портретах, — они взаимодействуют друг с другом взглядами и жестами, их близость показывает их родство и любовь.

«Минерва» — одно из самых запоминающихся кпроизведений артин художницы. На картине Минерва, богиня мудрости, одевается в доспехи, и несмотря на наготу, в ее фигуре вовсе не чувствуется ни эротики, ни стеснения. Лавиния уверенной и спокойной позой героини рыскрывает мудрость и интелект женщин — одну из самых частых тем в своем творчестве.

Лавиния Фонтана была известна своей либеральной позицией. Она поддерживала женщин и активно показывала это в своем творчестве. Так, она пишет Антониетту Гонсалес как человека, обычную аристократичную девочку (это показано через украшения, одежду и уложенные волосы), это не обьект для зрелищ.

«Визит царицы Савской к царю Соломону» — одна из самых ключевых примеров крупной живописи художницы. Одна из главных фигур — царица Савская — не украшает сцену, а работает в картине как такой же участник интелектуального политического разговора, как и царь Соломон.

Здесь Лавиния берет интерпретируемый многими художниками сюжет про Юдифь, убившую полководца Олоферна, чтобы спасти свой народ. В картине запечатлен момент триумфа: главная героиня выглядит спокойно и героично, таким оббразом заявляя о своей победе. Этим произведение отличается от многих других, Юдифь не напугана, как у Караваджо и не выступает как элемент эстетики у Лукаса Кранаха Старшего — Юдифь Лавинии Фонтаны демонстрирует пример женской власти, интеллекта, самообладания.

В своей интерпретации сюжета про Юдифь и Олоферна Феде Галиция пишет, вероятно, автопортрет, где показывает, как и Лавиния Фонтана, интеллектуальность, контроль и власть женщины. Самая интересная деталь здесь — спокойная, «дремлющая» голова Олоферна — то, что создает напряжение в картине: Феде пишет ее такой статичной, что мы уже не видим в ней человека — мы видим в ней неодушевленный предмет — это натюрморт, а не портрет!

В начале XVII века, когда натюрморт считался второстепенным жанром живописи, Феде Галиция сделала предметы главным содержанием картины. В своих натюрмортах Феде Галиция оставляет фон нейтральным, не добавляя интерьер и другие элементы быта, чтобы акцент оставался на вазах с фруктами и цветами. А эти самые вазы у нее получаются очень насыщенные, ведь художница передает каждую деталь, каждую текстуру.

Еще один важный аспект натюрмортов Феде Галиции — симметричная композиция. Например, в одном из самых известных произведений Феде «Натюрморт с персиками в стеклянной вазе» расположение предметов выверено словно по линейке. Ваза, расположенная практически прямо по центру, сразу берет на себя внимание, легкие листья чередуются с тяжелыми персиками, образуя своеобразный пазл, из-за чего картина становится более целостной. При этом, натюрморт остается такой живой и натуралистичный благодаря балансу симметричного и не симметричного: персики лежат по обе стороны от вазы, но их количество и форма отличаются, каждый персик в вазе лежит по разному, каждый листочек уникален. Такой серьезный подход к натюрморту был новизной во времена Ренессанса.

Паоло Мориджи был очень близок по отношению к Феде Галиции и активно ее поддерживал, отчего его портрет является личным для самой художницы. Одна из его самых необычных деталей — текст сверху: его написал сам Паоло Мориджи и писал он поэтическое посвящение Феде. Так, произведение своеобразно замыкается в петлю: Феде Галиция пишет комплиментарный портрет Паоло Мориджи, Паоло Мориджи пишет теплые слова о Феде Галиции. Говоря о самом содержании, смотря на выражение модели складывается ощущние, будто он только-только отвлекся от письма, что не только делает портрет живым но и показывает интеллектуальный процесс.

Говоря о творчестве Феде невозможно не включить одну из самых тонких ее работ «Не прикасайся ко мне». По сюжету Мария Магдалина хочет прикоснуться к Иисусу, который ее останавливает, показывая свою непринадлежность к земному бытию. Фигура Иисуса, обычно показываемого торжественно и драматично, здесь тихая и спокойная, создающая ощущение божественного присуствия. Расстояние между фигурами настолько маленькое, что так и хочется заполнить этот разрыв, но этого никогда не случится, отчего сам зритель будто становится Марией.

Биография Артемизии Джентилески начинается с трагичного события: еще до того, как выйти замуж, юная художница подвергается насилию и обману о замужестве со стороны своего учителя живописи Агостино Тасси, а затем уходит из дома из-за предательства отца, который подал в суд на Тасси, из-за чего травматичная ситуация Артемизии стала известна обществу (чего девушке XVII века хотелось бы избежать). Так на свет рождается одна из ярчайших картин художницы: «Юдифь, убивающая Олоферна». В Юдифь она, вероятно, воплотила себя, бесстрашно и хладнокровно убивающую Олоферна, в котором, вероятно, воплощен Тасси. В отличие от вышеперечисленных художниц Артемизия пишет сам акт убийства, не скрывая жестокости героини. Напряжение картины подчеркивается работой со светом: яркий холодный свет подчеркивает испуганное лицо Олоферна и сосредоточенное лицо Юдифь, а также ее мускулы на руках, как знак ее силы.

Часто в своих произведениях Артемизия изображает жертв насилия, при этом не идеализируя или эротизируя главных героинь, как многие другие художники, а показывая их, как настоящих, живых людей. Это вызывает у зрителей сильные впечатления от ее картин, из-за чего их невозможно забыть. Так, она пишет Сусанну и Лукрецию.

По сюжету Лукреция подвергается насилию и совершает самоубийство, чтобы сохранить свою честь. На картине показано мгновение перед необратимыми последствиями. Напряженные руки, направленные внутрь тела, сжатый корпус, сдержанное, сконцентрированное выражение лица и сосредоточение композиции на героине создают у зрителя тревожные, острые ощущения.

В «Автопортрете как аллегории живописи» Артемизия Джентилески изображает себя в процессе написания картины в достаточно сложной позе, что намекает на ее тяжелый труд, который необходим для творческого труда. Воплощая именно себя как олицетворение искусства, Артемизия напрямую связывает с ним свою личность, чем не только утверждает значимость женского вклада в искусство, но и обозначает, что искусство невозможно без индивидуальности: без личностей художников и художниц не существовало бы искусства, как такового.