Против перепроизводства?

Все чаще современное искусство следует принципу производства ради производства: художники и институции вовлекаются в непрерывный процесс генерации высказываний и снабжения арт-среды повторяющимися нарративами. Этот процесс наследует логике гиперпотребления: смысл сакрализуется самим фактом его производства. Как писал Жан Бодрийяр, вещь становится магической просто потому, что она произведена. Сегодня это правило распространяется на идеи, образы и символы. Это ставит вопрос о том, как в новой медийной реальности, где ценность высказывания все больше зависит от скорости его циркуляции и виральности, возможно удерживать фокус на смысле.

Что происходит, когда искусство утрачивает самобытность, а процесс его создания становится самоцелью? Постоянное производство симулякров порождает густое облако визуального шума, сенсорную перегрузку и паралич выбора. Непрерывная вариативность и повторяемость влияют на творческий процесс и диалог со зрителем.

В точке бифуркации между созданием «подлинного» и погоней за виральностью не остается места для рефлексии и рождается нехватка. Мы оказываемся в петле, описанной Лаканом: желание, или метонимический остаток, порождает все новые потребности, но они ведут к внутреннему опустошению. Возникает вопрос: как в условиях интенсивного культурного производства можно приблизиться к переживанию «подлинного»?

12:00–13:20 дискуссия «Перепроизводство смыслов и смыслопроизводство» 13:30–16:00 мастер-классы 16:30–17:50 дискуссия «Институция, художник, зритель: зачем мы друг другу?» 18:10–19:30 дискуссия «Искусство производства и производство искусства» 20:00–21:30 концерт

Участники: Даниил Бельцов — журналист, критик, главный редактор V–A–C Sreda; Александр Писарев — исследователь, научный сотрудник Института философии РАН, член редколлегии журнала «Логос»; Александр Сувалко — социолог культуры, заместитель директора Института исследований культуры факультета гуманитарных наук НИУ ВШЭ.

Модераторы: Роман Миронов, Анна Шапошникова — кураторы проекта.

Современное культурное производство характеризуется изобилием художественных высказываний, выставочных площадок и событий. В этой насыщенной среде формируются художественные «тренды» — повторяющиеся нарративы, актуальные практики и темы, которые тиражируются множеством авторов. В этой точке вопрос «стоит ли производить?» сменяется на «как производить, чтобы не тиражировать уже существующее?».

Современный художник работает в режиме перманентной включенности в производственные процессы: он должен быть видимым, активным, производить не только искусство, но и контент. Но эта гонка за видимостью в художественном поле приводит к размыванию высказывания — скорость создания произведения порой опережает скорость рефлексии. Так художественное производство уподобляется конвейеру.

В ходе первой дискуссии философы и теоретики поговорили о том, как сейчас выглядит процесс создания искусства и «генерации смыслов». Как мы понимаем, что уже перепроизводим искусство и перепроизводим ли вообще; и не превращается ли сама рефлексия об этих процессах в очередной продукт — еще один текст, еще одну дискуссию, еще одно событие или даже целый марафон?

Итоги дискуссии: Спикеры обозначили, что перепроизводство — это сбой работы института культуры. Он происходит во многом из-за того, что механизмы отбора и селекции не работают, так как нет критериев качественного искусства, нет института критики. Спикеры также сошлись во мнении, что с перепроизводством бороться трудно или даже бессмысленно, так как критерии «хорошего искусства» размыты или вовсе не обозначены в современных реалиях. Однако они отметили, что арт-среда в настоящий момент, действительно, перенасыщена — выходом из ситуации является индивидуальная «фильтрация» контента.

Проблема не в избытке, а в дефиците — не хватает настоящих смыслов, настоящего производства. А то, что происходит сейчас (гонка за видимостью, медиатренды, соцсети), — это не производство, а симуляция активности. Художник вынужден быть видимым не потому, что есть перепроизводство, а потому, что нет устойчивых институций, которые бы работали без этой видимости.

Целью мастер-классов в рамках марафона было погружение участников в процессы художественного производства и знакомство их с арт-практиками, которые осуществляются в Центре «Своды». Художники использовали те же техники, с которыми уже работали в Центре: Ольга Божко (проект «Печь») керамику, Артём Ляпин (проект «Э. М. Т. П.») плетение из проволоки, Екатерина Герасименко (проект «Не оставляйте детей без присмотра») шелкографию.

Участники мастер-классов делали работы по мотивам уже реализованных проектов художников. Это позволило с практической точки зрения осмыслить проблему перепроизводства.

В Центре «Своды» Екатерина Герасименко изготавливала шелкографические отпечатки на холстах, которые затем дополняла фрагментами масляной живописи. Этот метод позволяет ей собирать изображение «как пазл», накладывая визуальные структуры друг на друга и создавая эффект многослойного, неоднозначного пространства восприятия. Подход Екатерины напрямую перекликается с темой марафона: художница работает с «медленной», ручной техникой, а тиражность шелкографии становится для неё не способом ускорения производства, а предметом рефлексии об этом медиуме.

На мастер-классе участники получили от Екатерины Герасименко готовые шелкографические отпечатки и дополнили их собственной живописью. Таким образом, тиражный отпечаток переставал быть копией и превратился в уникальный объект благодаря ручному вмешательству. Этот жест — соединение печатного и живописного — продемонстрировал, что даже внутри тиражной логики (которую диктует как шелкография, так и современное институциональное производство) остаётся пространство для авторского жеста и уникального высказывания.

Артем Ляпин — мультидисциплинарный художник, который работает с текстилем, графикой и коклюшным кружевом. В своей практики он исследует сибирский фольклор и традиции через призму собственной мифологии. В мастерских Центра «Своды» Артем Ляпин создал проект «Э. М. Т. П.» — это соединение текстильных объектов и различных видов печати на их основе. В проекте художник использовал медную проволоку в технике коклюшечного кружева — традиционного плетения, которое он переводит в область современного искусства. Проект Артема Ляпина перекликается с производственной оптикой марафона: художник разрабатывает экспериментальные методы печати.

В рамках мастер-класса художник рассказал о тонкостях работы с кружевом и плетением из проволоки. По итогам участники создали браслеты из проволоки. Артем делился документацией своих работ, которые были произведены в Центре «Своды», и показывал различные техники плетения, поэтому каждый участник смог создать свой индивидуальный браслет с уникальным узором.

В своих работах Ольга Божко использует образы современной культуры, воспроизводя их с помощью ручных ремесленных практик: текстиля, вязания, вышивки. В мастерских Центра «Своды» художница создала проект «Печка» — инсталляцию печи, сделанную из керамических плиток с изображением известных продовольственных брендов. Мастер-класс стал прямым продолжением того, чем Ольга Божко уже занималась в Центре — работы с глиной и поиска способов перевести цифровые образы в осязаемую, рукотворную форму.

Во время мастер-класса каждый участник расписал керамическую плитку, заранее произведенную Ольгой Божко в мастерских Центра «Своды». Все вместе плитки сложились в общее глитч-панно — единый объект, который создался из индивидуальных фрагментов. Мастер-класс стал продолжением собственного исследования Ольги Божко о том, как из множества маленьких «ошибок» и сбоев (глитчей) складывается целостное высказывание.

Участники: Александра Данилова — искусствовед, куратор, заведующая отделом нового западного искусства ГМИИ имени А. С. Пушкина; Владислав Ефимов — фотограф, художник, преподаватель; Вера Замыслова — куратор программ доступности и инклюзии для посетителей с нейроотличиями Дома культуры «ГЭС-2»; Анастасия Митюшина — куратор Музея современного искусства «Гараж»;

Модератор: Дмитрий Белкин — куратор выставочных проектов Дома культуры «ГЭС-2».

Современная культурная институция оказалась в ловушке парадоксов. С одной стороны, музеи и культурные пространства должны сохранять позицию автономии, создающей критические высказывания. С другой — существовать в логике креативных индустрий, где посещаемость и охваты в медиа становятся главными показателями эффективности.

Это возвращает нас к фигуре зрителя. Зачем человеку, у которого нет дефицита впечатлений и информации, вообще идти в выставочные залы и дома культуры? В какой парадигме действительно существуют культурные пространства и посетители, и как институции отвечают на запросы аудитории — и хотят ли на них отвечать? Каковы новые показатели эффективности культурных институций сегодня?

Также в этой системе важно понять, какую роль играет художник, чьи произведения должны встраиваться в логику институции и соответстовать трендовым нарративам. Что происходит с художественным высказыванием, когда оно становится средством формирования институциональной идентичности?

Итак, в фокусе дискуссии — амбивалентность институциональных жестов. Основываясь на опыте Дома Культуры «ГЭС-2», где ставка делается на формирование зрительского запроса, а не следование сформированному кем-то другим, и опыте других институций, мы хотим обсудить, как сегодня выстраиваются отношения между институцией, зрителем и художником. Возможна ли сегодня институция, которая сохраняет способность к рефлексии, не измеряя себя исключительно количеством входных билетов, но и не выпадая при этом из экономической реальности?

Вместе с сотрудниками институций и художниками мы попробовали сконструировать формулу «идеального» культурного пространства — или хотя бы честно признать, что этот идеал сегодня принципиально недостижим.

Итоги дискуссии: Участники дискуссии сошлись на том, что сконструировать формулу «идеального» культурного пространства — задача недостижимая. Однако было подтверждено, что институция, художник и зритель находятся в тесной взаимосвязи, и только в синергии между ними возможен успешный осмысленный проект.

При этом были зафиксированы несколько противоречий. Институции, с одной стороны, ориентируются на внутренние представления об актуальности, а не на прямой запрос аудитории, с другой — вынуждены учитывать посещаемость и медийные охваты как показатели эффективности. Зритель ждёт одновременно экспертности, развлечения, инклюзивности и принадлежности к сообществу, но эти ожидания не всегда могут быть удовлетворены в рамках одного проекта. Художник оказывается в ситуации, где его высказывание должно встраиваться в институциональные нарративы, но при этом сохранять самостоятельность. Главный вывод дискуссии: успешный проект возможен не тогда, когда все стороны приходят к консенсусу, а когда признаётся, что их интересы не совпадают, и это несовпадение становится отправной точкой для диалога.

Участники: Наталия Антропова — директор «Лаборатории Культура» МФТИ; Игорь Волков — искусствовед, куратор, хранитель сектора новейших течений Третьяковской галереи; Роман Головко — интердисциплинарный художник, саунд-артист, экспериментальный музыкант; Ольга Дружинина — куратор Центра художественного производства «Своды» Дома культуры «ГЭС-2».

Модератор: Дарья Пыркина — куратор академического направления Дома культуры «ГЭС-2».

История искусства всегда сопряжена с развитием технологий: появление новых технических инструментов неизбежно отражается на рождении новых направлений. Так, развитие печатного дела и технологий глубокой печати привело к появлению офорта и расцвету офортной графики; изобретение фотографии пересобрало живопись, освободив её от фигуративной функции. Каждый технологический сдвиг отражается на развитии искусства и видоизменяет его.

Кажется, что вопрос взаимоотношений способов производства искусства в последнее время звучит с новой актуальностью. В этом плане сайнс-арт, диджитал-искусство и NFT лишь продолжают эту линию симбиоза, отражая включение технологий в художественную парадигму. В Центре художественного производства «Своды» как никогда актуален вопрос соединения технологий и культуры.

Дискуссия сосредоточилась на взаимодействии искусства и технологий — от глубокой печати до нейросетей. Участники дискуссии обсудили, что происходит с высказыванием, когда сам инструментарий становится его частью; как science art и цифровое искусство трансформируют художественную среду; и как засилье новейших технологий сказывается на авторстве?

Итоги дискуссии: Спикеры сошлись во мнении, что новейшие технологии — это лишь очередной виток художественного производства, который, однако, требуют внимания и со стороны искусствоведов, и со стороны художников.

Спикеры акцентировали внимание на том, что использование высокотехнологичного инструментария порой становится самоцелью художника, и это ведет к размыванию смысла и ценности художественного произведения. Исходя из этого, спикеры подчеркнули важность регуляции в области искусственного интеллекта и его соприкосновения с художественными практиками. К тому же, отдельной темой стал вопрос того, как экспонировать и сохранять искусство, созданное с использованием новейших технологий — важным в этом контексте становится диалог с автором диджитал-искусства.

Завершил марафон событий «Против перепроизводства?» саунд-вечер, в рамках которого были представлены два саунд-перформанса от художников-бывших резидентов Центра «Своды» — Евгения Климина и Владислава Ефимова.

Проект был создан Евгением Климиным, участником программы «КолЛаб», на стыке кинетического искусства и электронной музыки. Генетически работа связана с традициями производственной музыки XX века, где в центре внимания композиторов был звуковой мир промышленных механизмов. В отличие от них, в своем альбоме Климин стилистически опирается не на симфонический авангард, а на танцевальную электронику в стиле техно.

В аудиовизуальном перформансе рождается звуковое пространство экспонатов зоологического музея — вибрации, вызванные движением и неподвижностью, становятся слышимыми. Звуковой ряд сопровождает монолог в исполнении художницы и режиссера Марии Бавыкиной: это инструкции по консервации экспонатов, созданные на основе научных методов систематизации коллекций. Это произведение — часть проекта «Необходимость музея», над которым Владислав Ефимов работал в ходе программы «КолЛаб».

Перформанс проходит при участии Марии Бавыкиной и Ангелины Кокоревой.

Участники дискуссий не пришли к единой формуле «идеального» культурного пространства, а воркшопы не решили вопрос перепроизводства смыслов. Однако сам факт, что разговор о производстве шёл в пространстве реального художественного производства Центра «Своды», позволил сместить фокус с теоретизирования на практику.

Кураторы проекта сознательно отказались от роли критиков текущей ситуации в современной культуре и выступили скорее модераторами рефлексии. Марафон не дал однозначных оценок перепроизводству, но продемонстрировал, что даже в условиях гиперпотребления высказываний возможна пауза для того, чтобы спросить себя: «зачем мы всё это производим?».