Тактильный отврат ар-брют против стерильности минимализма

«Тактильная живопись» — создана не столько для глаза, сколько для воображаемого прикосновения — и это прикосновение должно вызывать физическое отвращение.

1. Буквальный смысл (физический)

В живописи ар-брют художники намеренно отказываются от гладкой, красивой поверхности. Они не «пишут» кистью в классическом смысле, а лепят, царапают, шпаклюют, смешивают краску с песком, золой, битумом, клеем.

2. Смысловой (метафорический)

Тактильная живопись означает: живопись работает через механизм прикосновения, даже когда вы смотрите только глазами. Ваше зрение обманывает кожу.

«Тактильная живопись» — это живопись, которая обращается к вашему телу быстрее, чем к вашим глазам, и использует прикосновение (реальное или воображаемое) как главный инструмент воздействия — в случае ар-брют, воздействия отвращением.

1. Цель исследования
2. История возникновения Арт-брют
3. Три ярких художника данного направления (Жан Дюбюффе, Адольф Вёльфли, Шаибия Талал)
4. История возникновения минимализма
5. Три ярких представителя данного направления (Фрэнк Стелла, Эльсуорт Келли, Роберт Райман)
6. Общие особенности техник двух направлений
7. Анализ и сравнение
8. Заключение

Целью этого визуального исследования — рассмотреть работы и биографию наиболее ярких представителей двух направлений, Проанализировать и сравнить творчество художников арт-брюта и минималистов, сделать выводы в конце. Данную тему для проекта я выбрала из-за своего интереса к этим направлениям.

Корни ар-брют уходят в 1920-е годы, когда психиатры, первыми заинтересовались рисунками пациентов. В 1922 году немецкий психиатр Ханс Принцхорн опубликовал книгу «Художественное творчество душевнобольных». Она посвящена изучению связи между психическими заболеваниями и творческими способностями, а также анализу художественных особенностей работ пациентов психиатрических клиник.

Это было первое в своём роде исследование, которое рассматривало творчество людей с ментальными расстройствами с художественной позиции, а не только как клиническое проявление недуга.

Однако рождение ар-брют как самостоятельного явления произошло в 1945 году, когда французский художник Жан Дюбюффе обратил внимание на книгу Принцхорна. Именно он ввел такой термин как «ар-брют» (фр. art brut — грубое искусство). В 1948 Жан Дюбюффе начал собирать свою первую коллекцию работ, созданных душевнобольными, заключёнными, маргиналами и другими людьми, которых Дюбюффе называл «незапятнанными культурой». После выставки этот термен окончательно закрепился за ним, и он стал считаться основателем этого движения в искусстве.

Жан Дюбюффе не был больным в прямом смысле, но его творчество и концепция ар-брюта были связаны с отказом от традиционных художественных норм и поиском «чистого», спонтанного выражения внутреннего мира. Он считал, что традиционное искусство (так называемое «культурное искусство») лишено искренности и не способно отражать актуальную картину мира. Он стремился отойти от рационального восприятия и обратиться к субъективности видения художника, бессознательному и подсознательному началу.

Швейцарцу Вёльфли не повезло он родился в крайней бедности и был седьмым ребенком в семье. Он пережил раннюю смерть матери, уход отца-алкоголика. Свое детство Вёльфли провел в приютах, где к нему проявляли физическое насилие. Во взрослой жизни художник не смог жениться на возлюбленной из-за низкого социального статуса, после этого Вёльфли начал домогаться к несовершеннолетним девочкам. Во время отбывания первого наказания он увидел галлюцинацию: «Святой дух», который «был его маленькой женой». В 1895 году Швейцарца Вёльфли признали невменяемым с диагнозом «шизофрения» и поместили в психиатрическую клинику Вальдау близ Берна. Там он начал рисовать, это занятие успокаивало его. В 1907 году молодой ассистент врача Вальтер Моргенталер увидел картины пациента и был поражен четкостью и пластичностью рисунков. Он следил за творчеством Вёльфли и в 1921 году выпустил книгу «Душевнобольной как художник». Выход книги сопровождался рядом прижизненных выставок Вёльфли в Швейцарии.

Жизнь Шаибии Талал была не легкой. Она родилась в исламской стране. В 13 лет ее уже выдали замуж за 70-летнего старика, а в 14 лет стала матерью, в 15 — вдовой. Талал не имела образования, после смерти мужа она работала горничной, чтобы хоть как-то обеспечить сына. Рисовать Шаибия начала в 37 лет, когда ей было послано видение. Во сне ей явились духи, дали в руки кисть и краски и велели писать. Она сочла это велением Аллаха и принялась за дело. Днем Шаибия работала, а вечером рисовала картины.

Термин «минимализм» (англ. minimalism, также minimal art — минимальное искусство) впервые использовали американские арт-критики в 1960-х годах для описания новых тенденций в творчестве молодых художников и скульпторов. Это направление стало реакцией на эмоциональность и субъективность абстрактного экспрессионизма, который доминировал в американском искусстве в 1940–1950-х годах. Минимализм стремился к предельной простоте формы, ясности и объективности, отказываясь от избыточных деталей, эмоциональной выразительности и сложных композиций.

Непосредственным предшественником движения стал Фрэнк Стелла: в 1959–1960 годах он представил серию «Черных картин» — упорядоченных полотен с чёткими линиями, которые отрицали какой-либо скрытый смысл или выражение личности художника. Сам Стелла сформулировал кредо минимализма знаменитой фразой: «То, что ты видишь, есть то, что ты видишь»

Фрэнк Стелл родился в Молдене, штат Массачусетс, в итало-американской семье. Отец его был гинекологом, мать — домохозяйкой и художницей. С детства Фрэнк окружен творчеством, но все же большое влияние на него оказали преподаватели в университете. После учебы он посещал курсы по рисованию. В конце 1950-х годов после окончания учебы Стелла переехал в Нью-Йорк, где полностью занялся живописью. Он стал известен за создание абстрактных картин, которые не несут в себе ни живописных иллюзий, ни психологических или метафизических отсылок в живописи XX века. Тем самым Фрэнк заявил, что хочет показать, что для него каждая картина — это «плоская поверхность с краской, и ничего больше», и отверг представление об искусстве как о средстве выражения эмоций.

Эльсуорт Келли родился в Ньюбурге, детство провел в Нью-Джерси. Уже в школе его признавали «лучшим художником». Родители не хотели поддерживать его художественное образование, поэтому Келли поступил в Институт Пратта в Бруклине на техническую специальность. В 1948 году после войны уехал в Париж и именно этот город стал местом, где Келли нашел свой путь. Он создал свои первые абстрактные работы, включая знаменитую серию «Цвета спектра, расположенные случайно» (1951), где порядок цветов определял жребий. Келли хотел убрать из искусства след руки художника, полностью отказаться от экспрессии в пользу чистого восприятия цвета и формы. Долгое время картины Келли не имели популярность в продажах, но в концу 1950-х ситуация изменилась. Его работы попали на выставку «Шестнадцать американцев» в MoMA (1959), а в 1960-е он начал создавать свои знаменитые многоцветные полотна.

Роберт Райман родился в Нэшвилле, изучал музыку, а затем служил в резервном оркестре армии США. В 1953 году он переехал в Нью-Йорк, намереваясь стать профессиональным джазовым саксофонистом. В это время Райман устроился охранником в Музей современного искусства, чтобы оплачивать квартиру. Он проработал там семь лет и именно там, глядя на работы абстрактных экспрессионистов, впервые заинтересовался живописью, купил краски и начал экспериментировать. Первые профессиональные работы Раймана были почти монохромными, но уже с 1960-х годов он нашел свой фирменный стиль — преимущественно белые квадратные полотна. Сам художник не считал себя минималистом или абстракционистом: он называл себя «реалистом», потому что его интересовали не иллюзии и не символы, а реальные материалы, свет, пространство и сам процесс живописи.

Арт-брют

Художнике этого вида направления не следуют заранее продуманному плану, а позволяют подсознанию направлять процесс создания работы. Это приводит к неожиданным и уникальным результатам. Композиция, перспектива, пропорции, анатомия и традиционная техника могут свободно нарушаться автором — это часть логики. Также художники арт-брюта используют любые доступные материалы и создают сложные орнаментальные структуры, пишут текст рядом, собирать композиции из подручных вещей. Авторы создают произведения искусства исходя из личной инициативы и не преследуют коммерческие цели. Им важно выразить глубину сознания и подсознания. У таких авторов работы часто возникают как неожиданные психические выбросы, отражающие неосознанные мысли и чувства. Кроме того один из важных составляющих арт-брюта это уникальность каждого произведения. Произведение не основывается на повторении или копировании, а на индивидуальном выражении творческого потенциала.

Минимализм

Художники этого направления используют базовые геометрических фигуры вместо сложных и детализированных изображений, а чистые линии создают ощущение порядка и гармонии, задают чёткий визуальный ритм. Палитра у направления минимализма обычно ограничена 1-3 цветом в мягких оттенках. Такое решение создает целостность всей композиции, а для того чтобы привлечь внимание к ключевым элементам, автор может добавлять акцентные цвета. Также авторы оставляют большое количество свободного пространства. В картине только то, что действительно необходимо для передачи идеи или функции. Это помогает смотрящему визуально разгрузить композицию и сделать ее читаемой для восприятия.