Чем характеризуется трагизм в искусстве прерафаэлитов.

В XVI–XIX веках в европейском искусстве главенствовало направление академизма, которое базировалось на строгом следовании внешним формам классического искусства. Его влияние было ключевым для систематизации художественного образования и укрепления классических традиций, рассматриваемых как система «вечных» канонов и предписаний. До первой половины XIX в. развитие британского искусства в значительной степени формировалось активностью Королевской академии художеств. Как и любое другое официальное учреждение, академия была предельно осторожной и недоверчивой к нововведению, стараясь сохранить традиции академизма. Однако были люди, несогласные с условностями викторианской эпохи, академическими традициями и слепым подражанием классическим образцам.

Движение Прерафаэлитов, появившееся во второй половине XIX  века, было ответом на доминирование академического искусства и стремление вернуться к идеалам прошлого. Их название они получили от имен великого итальянского художника Рафаэля, который считался высшим образцом совершенства и пропагандистом классической красоты. Прерафаэлиты возникли в Англии и их основными участниками были Уильям Холман Хант, Джон Эверетт Милле, Данте Габриэль Россетти и другие молодые художники. Основной идеей Прерафаэлитов было восстановление простоты и естественности, выраженных в яркой цветовой гамме и тщательно проработанных деталях. Они стремились создавать картины и другие произведения искусства, которые были бы полны эмоций, символических сюжетов и мистической атмосферы.

В искусстве прерафаэлитов трагизм занимает особое место. Прерафаэлиты, устремленные к воссозданию эстетики эпохи Возрождения и пропаганде естественности и простоты, не стали исключением и в своем отношении к трагедии. Анализируя произведения прерафаэлитов, мы видим, что они исследуют и отображают различные аспекты трагического в человеческой судьбе, обществе и природе. Они переносят на холст или бумагу мгновения страдания, горя, утраты и загадочности, создавая произведения сильного эмоционального заряда.

Трагическое присутствует и в образах, созданных прерафаэлитами. Они старательно прорабатывают каждую деталь, каждую мимику лица, каждое движение рук, чтобы донести до зрителя все тонкости и нюансы переживаний героев. Реалистичность и детализация создают эффект присутствия, принося зрителя в мир трагических событий и переживаний. Трагическое в искусстве прерафаэлитов не только вызывает сожаление и грусть, но и вносит глубокую мысль, философский вопрос или нравственное предупреждение. Прерафаэлиты старались установить связь между прошлым и настоящим, между извечными трагедиями и современными событиями, чтобы повернуть взгляд зрителя на его собственную жизнь и испытания.

Тема визуального исследования выбрана с целью раскрыть направление прерафаэлитов и их трагические сюжеты в сфере изобразительного искусства. Задачей является выявление художников-прерафаэлитов. Для этого собирались материалы, соответствующие заявленной теме по критериям сходства с теоретическим материалом и качеству картинки. Теоретический материал набран из обработки материалов веб-журналов, статей и отчётов о выставках, а также книг о творчестве самих художников, предоставленных библиотеками и интернет-ресурсами по заданной теме. Визуальное исследование представляет собой структурированную работу, в которой изучается направление прерафаэлитов и их трагические сюжеты на основе текстовых ресурсов, а затем выявляются, описываются и анализируются работы художников-прерафаэлитов.

Трагическое в искусстве — это философская и эстетическая категория, которая характеризуется присутствием высоких чувственных и эмоциональных переживаний героя в результате их свободной воли или судьбы. Трагическое в искусстве является отражением трагического в жизни и создан для того, чтобы люди сопереживали и сострадали герою трагедии, иногда из-за перенесенного похожего опыта.

Трагическое в философской категории искусства представляет собой особую форму выражения, характеризующуюся глубокими конфликтами, неизбежностью трагического исхода и присутствием высоких чувственных и эмоциональных переживаний. Его отличительные черты включают в себя: • Конфликт и противоречия: Трагические произведения обычно представляют ситуации, где противоположные силы или ценности сталкиваются, вызывая непреодолимый конфликт. Эти противоречия часто являются источником трагического разрешения. • Неизбежность трагического исхода: Одной из ключевых черт трагического является неизбежность несчастья, гибели или страданий главных персонажей. Невозможность избежать трагедии создает атмосферу неотвратимости. • Высокие эмоциональные переживания: Трагическое искусство обычно вызывает у зрителей сильные эмоциональные реакции, такие как сострадание, страх, грусть или состояние глубокого волнения. • Катарсис: Трагическое искусство также может призвать катарсис — очищение или освобождение эмоций и чувств через интенсивный опыт трагедии. Это понятие было впервые предложено античным философом Аристотелем.

Трагическое как философская категория в искусстве часто используется для исследования человеческого опыта, моральных дилемм и вечных вопросов о смысле жизни, справедливости и судьбе.

Прерафаэлиты — это группа английских художников, существовавшая во второй половине XIX  века, которая стремилась вернуться к идеалам и техникам эпохи искусства средневековья и Возрождения. Основными отличительными чертами прерафаэлитов были:

• Возврат к природе и историческим сюжетам: прерафаэлиты предпочитали использовать в своих работах природу и исторические события, а также классическую и библейскую тематику. Они стремились передать красоту и гармонию природы в своих полотнах. • Тщательное изучение деталей: прерафаэлиты проявляли большое внимание к деталям и истинности в изображении. Они стремились к идеальной пропорции и реализму, исходя из детальной наблюдательности и увлечения за каждую минутную особенность объекта. • Яркая и насыщенная краска: прерафаэлиты использовали яркие и насыщенные цвета для создания эффекта глубины и выразительности картины. Это помогало передать эмоциональность произведения и привлекало внимание зрителя. • Выразительность взглядов: прерафаэлиты часто пропагандировали свои идеалы и взгляды на искусство через свои работы. Они старались передать свое мировоззрение и критику существующего порядка. • Предпочтение мелких форматов и деталей: прерафаэлиты часто создавали работы небольшого формата, в которых многочисленные детали и орнаменты

Прерафаэлитский стиль оказал значительное влияние на развитие английского искусства и стал основой для многих последующих течений и художественных движений.

Хант вырос в скромной рабочей семье, он был третьим из семи детей. Как полагается в викторианское время, Уильям начал работать в 12  лет, но в 16  лет решил оставить работу клерка и начал копировать работы известных художников. Родители юноши согласились с тем, что у Уильяма есть талант и отправили его учиться в художественную школу. Выставляя работы на выставки, его картины заметили в Королевской Академии и Британском Институте. В академии он и познакомился с другими основателями прерафаэлитов. Они все были разочарованы в неизменных методах и канонах художественного образования.

Смотря на эту картину, можно подумать, что в ней нет никакой трагедии, но это не так. На ней изображена молодая девушка, которая склоняется к горшку с базиликом. Картина изображает сцену из одноимённой поэмы английского поэта Джона Китса на сюжет из новеллы о горшке с базиликом из «Декамерона» Боккаччо. Главная героиня новеллы — Изабелла, которая завела роман с юношей Лоренцо. Братья девушки узнали об этом и убили возлюбленного своей сестры, чтобы скрыть ее грех, и похоронили его тайком. Во сне Изабелла от Лоренцо узнала, где он захоронен и позже скрытно идет раскапывать его могилу для того, чтобы его голову положить горшок и посадить туда салернский базилик. Изабелла каждый день подолгу плачет над этим горшком. Узнав о секрете девушки, братья забирают у нее этот горшок, после чего Изабелла вскоре умирает.

Символы на этой картине помогают нам глубже проникнуть в трагедию юной девушки. Череп на горшке символизирует смерть Лоренцо. Созданный Изабеллой аналой (церковная подставка для икон) с богато украшенной скатертью дает понять, что она дорожит этим горшком как ничем другим.

Эта картина основана на сцене пьесы Уильяма Шекспира «Мера за меру». Клаудио совершил грех, вступив в небрачную связь с возлюбленной, которая забеременела от него. Изабелла просит у Анджело помилования, но этот наместник влюбился в деву и просит у нее свидания в обмен на жизнь ее брата. В этой сцене Изабелла вынуждена выбирать между спасением от казни своего брата Клаудио или принесением в жертву своей девственности.

Чистота Изабеллы выражается в ее светлой закрытой одежде, в то время как ее брат Клаудио полностью противоположен ее образу. У него закрытая поза, лицо отвернуто от сестры, Клаудио чувствуют себя некомфортно рядом с ней и испытывает стыд. Ситуация на картине трагична. Юная и непорочная девушка должна сделать такой непростой выбор, который может пошатнуть ее чистоту.

Милле был талантливым вундеркиндом, он являлся самым юным студентом Королевской академии за всю историю, который поступил туда в 11  лет. Из троих основателей тайного Братства прерафаэлитов Джон был самым младшим, но самым выдающимся, в то время как другие только делали первые шаги в искусстве.

Эта картина была написана Милле по сюжету пьесы Шекспира «Гамлет». Из трагедии мы знаем, что девушка сошла с ума из-за того, что её возлюбленный Гамлет убил её отца. Неизвестно, упала ли Офелия в реку или совершила суицид, но ясно одно — Милле создал воистину шедевр искусства. Время на картине остановилось: замерла вода, ветер затих и ни один лепесток не падает с цветка. Также и Офелия находится на грани жизни и смерти, её красота вечна. Художник с удивительной точностью изобразил безумие девушки. Находясь на пороге смерти, Офелия беззаботно поет.

Милле смог в полной мере передать трагедию Офелии, сочетая боль девушки с яркими и чарующими растениями. Её мокрая и тяжелая одежда, которая тянет её на дно, изящно передает страдания Офелии, еще больше добавляя трагического эффекта картине.

Сюжет картины был взят из пьесы Уильяма Шекспира «Мера за меру». Художник изобразил Марианну, на которой отказался жениться ее возлюбленный Анджело из-за потерянного придания девушки. Милле искусно изобразил трагическое одиночество девушки, которая готова даже на смерть, нежели такая участь. Она стоит обманутая в уединении и бесконечном ожидании. Один день похож на другой — шелест листьев, шуршание мышей и постоянная смена дня и ночи. Но даже при всей трагедии, Милле смог изобразить в её образе нотку страсти и желания в её глазах.

Периоды творчества Россетти определяют не по особенностям живописи, а по женщинам, которые ему позировали. К каждой такой натурщице художник относился с особой страстью и увлеченно писал их портреты. Вступив в Братство прерафаэлитов, именно Россетти сформулировал их цели:

1. Иметь подлинные идеи для выражения;
2. Внимательно изучать природу, чтобы знать, как их выразить;
3. Сопереживать тому, что является прямым, серьезным и сердечным в предшествующем искусстве, за исключением того, что является обычным и усвоено наизусть;
4. И, что самое важное, создавать качественные картины и статуи.

Спустя какое-то время художник покидает прерафаэлитов и позже преподает живопись и рисунок в первом в Англии образовательном заведении для низших классов общества.

Жена Россетти Элизабет была больна туберкулезом и, желая излечиться от этого недуга, выпила лауданум (опийная спиртовая настойка, которую считали панацеей от всех болезней). Но Лиззи не рассчитала и выпила смертельную дозу лекарства. Неизвестно, было ли это сделано непреднамеренно или все-таки девушка совершила суицид, но ясно одно — Россетти был убит горем от потери. Он написал картину «Блаженная Беатриче» по рисункам и эскизам, которых накопилась сотни после долгого проживания вместе.

На картине изображен голубь, который опускает ей на ладони мак — символ смерти. Позади Лиззи стоит ангел любви, который держит догорающий огонь — символ угасающей жизни, а с другой стороны Россетти изобразил себя, не способного удержать возлюбленную на земле. Солнечные часы же символизируют быстротечность времени. Сама Элизабет находится в блаженном и спокойном состоянии, готовая принять свою участь. Картина воистину пропитана трагизмом потери возлюбленной и желанием напоследок запечатлеть свою жену в вечном безмолвном образе.

На картине изображен фермер, который прибыл в Лондон для того, чтобы продать теленка. Но на улицах он встречает свою возлюбленную, которая стала девушкой легкого поведения и осталась без средств для существования. На мужчине одежда светлых тонов, которая означает его честь и достоинство, а на даме преобладают яркие цвета. Этот контраст показывает различия героев в социальном и эмоциональном плане. На лице у мужчины видна жалость, и становится понятно, что он хочет поднять старую возлюбленную не только с земли, но и со дна социальной жизни. Теленок в веревках на заднем плане символизирует безвыходное положение главное героини. Она, также как и животное, запуталась в безысходности и не может выбраться. Учитывая бледно-зеленый цвет лица героини, можно догадаться, что она мертва.

Бёрн-Джонс был одним из ведущих британских художников и дизайнеров конца XIX  века. Романтические картины Эдварда, которые были наполнены средневековыми образами, ознаменовали закат искусства прерафаэлитов. В возрасте 22-х лет художник открыл для себя «Смерть Артура» Томаса Мэлори, и это сильно повлияло на его искусство. До конца своей жизни Эдвард Коли Бёрн-Джонс посвящал свои картины этим легендам. Будучи верующим в христианскую добродетель и в любовь, художник еще больше был пленен древними преданиями о короле Артуре. В его работах очень часто можно встретить христианские и рыцарские мотивы.

Эта картина основана на легенде, рассказанной художнику сэром Кенелмом Дигби. Герой рассказа стоял перед тяжелым выбором — отомстить за смерть брата в тот момент, когда ему подвернулась возможность, или простить своего врага. Мужчина выбрал проявить милосердие, за что его поцеловал образ Христа, как знак того, что герой угодил Богу. Трагическое проявляется в тяжелых обстоятельствах рыцаря. Даже получив одобрение Бога, можно заметить, что лицо героя печально. Его руки открыты, что символизирует беззащитность персонажа картины. Выбор рыцаря был тяжелым, но он проявил человечность и отпустил свой гнев в сторону врага. На заднем фоне виднеется закат, что может означать конец страданиям главного героя.

Вдохновленный легендами о короле Артуре художник пишет картину о Мерлине и его возлюбленной Владычицы Озера. Красавица околдовала Мерлина, чтобы узнать у него все секреты волшебства и научиться магии. Закончив дело, она использовала свои способности для того, чтобы заманить Мерлина в ловушку и избавиться от него. Обратив внимание на лицо колдуна, можно увидеть теплоту и спокойствие. Мерлин предвидел свое будущее, но все равно не смог противиться своей судьбе из-за искренних чувств. На голове Владычицы Озера красуется змея — символ греха и искушения в христианской традиции. Художник смог передать историю трагической неразделенной любви и жертвенности.

Уотерхаус знаменитый английский художник, работы которого причисляют к творчеству прерафаэлитов. Художник, как и другие художники-прерафаэлиты, стремился уйти из реальности, используя мифологические и библейские сюжеты, перенимая образы из рыцарских романов. На всех картинах Уотерхауса главной фигурой является женщина. Художник предпочитал трагические и жестокие сюжеты, но при этом придавал им спокойствие и красоту.

На картине изображена трагическая смерть святой Евлалии из истории в книге «О мучениках» испанского поэта V века Пруденция. Девушку подвергли жестким пыткам за христианскую веру. После этого произошло чудо: из уст девушки вылетел голубь, означающий высвободившуюся душу, а её нагое тело прикрыл только что выпавший снег. Художник решил немного изменить сюжет: зритель видит не одного голубя, а множество голубей. Снег хоть и выпал, но не прикрыл нагое тело Евлалии. Вместе с тем Уотерхаус с точностью передал детали: распятие, гвозди и крюки.

Несмотря на решение художника не ограничиваться одним голубем, можно заметить на заднем фоне маленького мальчика, который указывает пальцем на единственную парящую в небе птицу. Эта деталь дает нам понять, что именно этот голубь является душой Евлалии. Художник полностью передает весь драматизм и трагизм события в своем романтическо-экспрессивном стиле.

Картина написана под впечатлением пьесы Шекспира «Буря». Художник изобразил трагический сюжет кораблекрушения. На картине изображена юная девушка по имени Миранда, которая тревожно смотрит вдаль. На заднем плане все такое же неспокойное: вода бурлит и пенится, поднимая песок со дна, волны выносят остатки корабля на берег. Сильный ветер развивает волосы девушки, и она придерживает их. Вторая ее рука находится на груди, чувствуя беспокойное сердцебиение. На корабле находится её дядя Антонио и неаполитанский король Алонзо, но она беспомощна в этой ситуации и не может спасти их. Несмотря на то, что фигура Миранды повернута спиной к зрителю, на ее лице можно прочитать страх и отчаяние. Девушка бессильна перед буйной стихией.

Браун — английский живописец и поэт. Он не входил в само Братство прерафаэлитов, но был одним из виднейших представителей этого направления. Он был близким другом Габриэля Россетти и Уильяма Морриса, с которыми создавал дизайны витражей. У Брауна был богатый опыт в рисовании, за свои юношеские годы он прошел через большое количество художественных школ. В большинстве случаев художник посвящал свои картины историческим событиям и темам религии.

Моделью картины послужила любовница художника, которая родила от него внебрачного сына. Следовательно тот, кто отражается в зеркале, и есть сам Форд Мэдокс Браун. В то время подобные связи заслуживали порицания, поэтому в этой интерпретации картины можно судить, что фраза «Возьмите своего сына, сэр!» звучит не как бытовая просьба, а как требование к отцу признать ребенка. Считается, что художник забросил картину после смерти своего ребенка Артура. На картине изображена женщина, которая протягивает новорожденного ребенка его отцу. На бледном и уставшем лице виден лихорадочный румянец, глаза еле открыты, и она показывает зубы, что считается символом женской обиды или агрессии. Лицо девушки измучено и лишено привлекательности.

По мнению историка искусства Маршии Пойнтон, картина целенаправленно создает парадокс, подчеркивая противопоставление между жизнью и смертью. Картина отражает трагическую участь девушек, которая выражается осуждением и порицанием за незаконнорождённого ребенка. Наверняка сама любовница художника терпела оскорбления, что и вдохновило автора на эту картину. Помимо этого, тот факт, что художник не смог закончить работу после смерти своего сына, заставляет больше сопереживать, глядя на изображение.

На картине изображена возлюбленная художника, которая страдала алкоголизмом. Фиалки являются символом скромности и верности. Так на портрете Мэдокс Браун выкладывает в руки разрушенной от алкоголизма возлюбленной букет увядших цветов. Браун симпатизировал искусству Данте Габриэля Россетти, поэтому он на портрет он добавил чувственность к размышлениям о хрупкости жизни.

В заключение исследования, можно сказать, что прерафаэлиты смогли создать уникальное и глубокое выражение человеческой трагедии в своих произведениях. Они использовали различные художественные приемы, такие как яркое освещение, контрастные цвета и детализацию, чтобы передать эмоциональность и глубину трагических моментов.

После проведенного исследования, можно с уверенностью сказать, что трагическое в искусстве прерафаэлитов характеризуется: • Изображением смерти; • языком цветов/тайными посланиями; • мрачными обрамлениями центральной композиции; • сюжетной составляющей. Символизм занимает особое место в трагизме прерафаэлитов. Они использовали символы и аллегории, чтобы передать свои идеи и эмоции. Трагическая тематика и символизм присутствовали в искусстве прерафаэлитов, помогая им выразить сложные эмоции и идеи. Эти элементы делают их работы интенсивными и эмоционально заряженными.

Так же можно сделать вывод, что искусство прерафаэлитов позволило доказать, что трагическое является вершиной искусства. Способность изобразить жизнь полную боли через яркие образы удавалось только художникам этого направления. Их работы поэтично и меланхолично отражают человеческие страдания, потери и смерть, подчеркивая хрупкость человеческого бытия. Прерафаэлиты создали новую эстетику, отличающуюся от прежних норм и традиций, и их трагические произведения оказали значительное влияние на развитие искусства.